摄影论文1500字
篇一：摄影方面论文
浅谈摄影中蕴含的感情
【摘要】：摄影是一种艺术，一种同样包含感情的艺术。摄影现在在我们的生活中是非常常见的一种娱乐方式,信息时代的生活也随着摄影的发展而发生天翻地覆的变化,摄影作为一种视觉语言在人们生活中所占有的地位也越来越高,很大程度上,摄影已经成为了表达思想和情感的主要表现手段。在摄影创作中，个人的自我感受是整个创作过程中影响与评定所创作品的最重要的因素。所以每张照片中都隐藏着感情，或明显或含蓄。
【关键词】：摄影感情相机光线
【正文】：
摄影是一种世界性的语言,是一种表达人类思想和情感的艺术,摄影更是一种表达体系,是摄影者传递内心情感的一种最佳方式,就像人们用语言来说话、用文字来书写、作家用小说来传递自己的观点、画家用画笔描绘生命的色彩、歌手用歌声传递内心的情感。摄影师用的只有相机去捕捉生活那点点滴滴的美，那偶尔流露出的真挚情感。
摄影自产生以来就一直长盛不衰，随着科技的发展，相机也越来越先进，但是有些东西是永远不会变的，比如感情，有些摄影师用的还是傻瓜机，因为那种相机用了有感觉，更能表达出感情，这是科技产品无法替代的。比如影片《午夜巴塞罗那》中女主角克里斯蒂娜拍摄用的相机就是老式的相机，并且拍的照片那么的有感觉。通过影片也可以发掘出一些有用的东西。看着克里斯蒂娜在暗房里洗出来挂在墙上的一张张照片，那么的有艺术感。想要拍出有感情的照片，洗照片也是很重要的，必须要有自己的暗房自己亲手洗，这个步骤你可以理解为和照片的一种交流；感情的一种酝酿。
摄影是瞬间的艺术，已成定论，无论你怎样创造想象，如何自由发挥，都不能超脱“几分之1秒”这一时间限定，使摄影这门艺术有了它自身的局限性，而不像其他艺术种类如音乐、绘画、戏剧等可以天马行空、驰骋想象、显示出强烈的主观意识。但任何艺术都是人的艺术，人的因素才是决定的因素，在摄影创作中，毫无例外地要遵循这种艺术转换规律，即将自己的思想感情、艺术性灵转换1成摄影的语言，才能使得摄影艺术的过程成为一个复杂的多种因素互为关联、制约的审美过程。美学家高尔泰曾对“艺术”作过如下阐述“：任何人类的创造物，如果它不是表现一定的思想感情，它就不是艺术……”这个层次把烹饪、骑射兵法等技术概念，同作为美学对象的艺术概念区别开来。以此衡量摄影艺术，纯以观赏为主的艺术摄影自不必说，即使是纪实性的摄影作品。
表现主观意见受到极大限制的情况下，作者的主观情感也是通过作品这一艺术的瞬间体现出来的，也是观赏价值和使用价值并有的。文学巨匠托尔斯泰说过“：在自己心里唤起曾经一度体验过的感情，并且在唤起感情之后，用动作、线条、色彩、声音以及言语所表达的形象来传达出这种感情，使别人也能体验到这同样的感情———这就是艺术活动”。摄影既然是一门艺术，当然也受这一艺术规律所支配，只要细细品味回想一下，不难发现，成功的艺术摄影作品都是以情感
人的，作者的情感完全体现在创作之中。
摄影是一种艺术，一种同样包含感情的艺术。可是一般人只是把它当成一种工具，一种保留影像的工具，留影、留念，如果没有留下感情又有什么用，只能算是一个凭证，没有意义。
当然，摄影艺术认识、接受、传达情感的方式与其他艺术形式有所不同。情感本身的复杂性和摄影艺术情感传达的特殊性，决定了要拍好一幅作品，需要有一定的功力。我们对于生活、对于周围的世界会有各种各样的体验，情感则是人们对与之发生关系的客观对象的态度的体验，人类的情感生活只能在直接感受中把握，由于摄影作为艺术的特殊性，复杂的情感都集中在艺术的瞬间体现出来。在手拿相机进行创作时，“当我的右眼向外边张望时，我的左眼便向心中回视，因此，我所拍摄的对象，是我外在与内在两个世界交融的结果”。
可见摄影艺术的瞬间也是作者情感高度体现的瞬间，其瞬间生成所面临的客观对象已是人化了的世界，是基于摄影者高度的个人化的能力的体现，相机已不仅是一种工具，一种表现的媒介，而是我生命的一部分，是眼睛的延伸，心灵的撞击，相机所能看到的，也就是我心灵所感受的。由于摄影家各自的经历、阅历、文化素质、性格爱好等等不同，所以对情感的认识会有差异，在表现各自所认识的情感时，途径也多种多样，这就构成了情感表现的不同形式，这就是拍摄同一
事物，由于个人情感体验不同，拍摄的作品感人效果、表达方式也不同的原因所在。要用摄影语言表达情感信息，必须做到心细、眼疾、手快，要有扎实的功力，需要我们熟悉生活，靠平时的点滴积累，懂的东西多，对事物就理解的深，加上深厚的生活基础，作品自然有深度，而避免一般化。总之，艺术的瞬间是摄影作为艺术存在的基础，而审美的瞬间，才是创造艺术现象的决定性因素，才能完成情感体验的审美过程。
摄影作品的感情表现在许多方面，有许多摄影师喜欢现场光，因为现场光照片能传达一种真实的感情。因为很多现场的光照片中使用照明有限，不像使用人工照明摄影室那么完美，所以观众会有一种正在看着被摄影对象的感觉，很有真实感。
现场光不仅能传达出真实感，还能传达出一定的情感。场景可以是幽暗的，强调灰暗的心情；或者是明亮高调的，可以传达出一种欢快的感情。摄影师需要敏锐的观察场景周围的光线明暗，适时捕捉到胶片上。
情感是一张照片的灵魂，没有蕴含感情的照片只是一个死物，无法引起人们的共鸣。所以感情在摄影中是十分重要的。
【参考文献】：
《光与曝光》伍振荣著中国摄影出版社
《论摄影》
（美）桑塔格著，黄灿然译上海译文出版社
PS：这张照片是去年帮我同学拍的，背景是海，左边是我同学，右边是我同学的同学，在海边玩，同学的同学还有点拘谨，辽阔大海衬托出两个女孩子的天真无邪。
PS：世博上拍的一些有意思的照片，馆内馆外。不同光线
篇二：毕业论文《浅析摄影在平面设计中的表现》
浅析摄影在平面设计中的表现
庄志勇
（渭南师范学院美术学院艺术设计20xx级4班）
摘
要：摄影的核心就是用二维空间来表现客观对象，因此摄影在设计中所起的作用主要表现在视知觉的二维表现方面。设计与摄影都包括艺术表现、主题表现、科学表现、情景表现、娱乐表现、情感表现等。平面设计涵盖的内容非常
丰富，如：招贴设计、路牌广告设计、包装设计、图书封面设计、邮票设计、企业形象设计、插画设计等。数字时代的发展使得平面设计与摄影紧密联系在一起的，摄影在其中所起的最主要的作用是提供设计素材，启发创意。
关键词：平面设计；摄影；艺术活动
在我们日常生活中，无论是自然风光，花草树木，或其他主题。一个好的摄影作品有鲜明的主题，可以实现摄影师和观众和情感的交流和沟通。思维是摄影师发现和明确的主题的来源，从摄影到自然，生活，社会知觉，摄影师按下快门的那一刻就反映了表现的主题，反映了摄影师的观察，把握机会的能力，艺术表现和审美能力，定位等。除了艺术表现、主题表现外，摄影表现还有科学表现、娱乐表现、情感表现和情景表现等多种表现。由于拍摄的初衷不同，用途不同，对创作的要求也不同[1]。设计与摄影同样包括艺术表现、主题表现、科学表现、情景表现、娱乐表现、情感表现等。摄影与设计是具有创造性非常强的艺术，摄影构图或产品造型设计是影响业绩的艺术的一个重要因素。一方面艺术的表现反映了摄影师或者设计师技术的掌握和理解，另一方面，它显示了拍摄者的审美取向，审美文化。
一、摄影与设计的关系
从摄影的性质上看，摄影是一种造型艺术。千变万化的设计包括在二维空间内表现三维的平面艺术设计；在三维空间内进行的各种装饰设计，以及进行各种产品的发明等。因此，作为在二维空间内表现三维空间客观存在和客观事实的摄影与设计属同一种性质。从审美的角度看，摄影与设计都是创造性活动，也都是审美活动。不论是商业广告摄影，家庭娱乐摄影，还是风光、纪实摄影，都要求影像画面所传达的信息主题明确，并符合审美规律，这与平面广告设计、包装设计等在审美特征上是一致的。
从创作过程和创作要求上看，设计需要感觉加思考的，也是感性加理性的，设计的创造性非常重要，体现的是思维能力，审美能力以及发现问题和观察事物的能力。摄影同设计一样也是感觉加思考的，是感性加理性的，需要的是创造性，其
体现的同样是思维能力，审美能力以及发现问题和观察事物的能力[2]。摄影与其他各种设计活动都要求具有可实现性。数码摄影技术通过多媒体进一步发
展，数码摄影技术结合图像处理技术，推动和促进了设计的发展，数码相机、电脑取代了传统的工具，摄影已经成为设计中不可缺少的一部份。
二、摄影在设计中所起的作用
摄影的视知觉规律和审美与设计是相同的。在创意方面，设计师和摄影者都可以在想象的空间里自由驰骋。在创作方面，设计师和摄影者都必须以现实为依据，并抓住瞬间得到的灵感，从灵感和直觉感知中抓住事物的本质特征。在表现方面，设计一般用二维空间表现设计作品，摄影的核心就是用二维空间来表现客观对象，因此摄影在设计中所起的作用主要表现在视知觉的二维表现方面。具体来说，摄影在设计中所起的作用主要包括：作为设计创作的素材，作为设计创意的参考资料，记录设计过程和细节，用于成果存档等。另外摄影是培养一个人的审美情趣，提高创意思维能力、观察能力、思考能力、构图能力，以及运用光和色彩能力的一种非常有效的途径。
摄影的前期和后期加工在数码摄影技术产生和普及之前都是限制于相机和暗房的，摄影领域实现创新或充分表达摄影者的情感和艺术感受等是非常困难的。电子计算机的诞生，数码摄影技术的产生与普及，使的摄影、创意、设计变得容易。在广告设计中，摄影作品是非常重要的素材。以招贴为例：招贴主题明确后从摄影作品中根据各种照片的特点和每张照片给人知觉的不同感受，经过认真分析和思考，设计者根据主观选择比较适合作招贴的主题照片进行设计。版式设计方面可以将所选照片为主题放在一目了然的位子，加入自己的设计版面和设计意图将主题突显。
摄影与设计都是面向客观现实的主观活动。镜头所面对的是客观现实世界，摄影画面所体现的质感、美感源于客观现实存在，是客观现实的反映。因此，对摄影和设计来说，离开客观现实世界，离开了客观现实生活，摄影和设计就成为无源之水，无本之木。总之，摄影和设计都是通过艺术形象对现实生活中的美和丑进行反映。
三、摄影在平面设计中的表现
1.摄影与设计的形式语言
摄影和设计的形式语言直接关系摄影作品和设计作品的生命力和感染力。语言以传达意义为基本目的，视觉形式通过形态传达创作理念。视觉形式可以产生
信息交流的作用，具备了“语言”的所有重要特征。摄影是一种光影造型艺术的实践活动，摄影的形式语言有很多，如对称、节奏、韵律、协调、均衡、对比和
影调、线条、色彩、光线等[3]。设计作品和摄影作品的精神内涵都是靠其特有的形式语言表现出来的。对设计者和摄影者来说，对形式语言的掌握程度是检验其创作水准高低的标准。由于不同的设计师和摄影者对形式语言掌握的深度和广度不同，对形式语言的理解不同，运用不同，因此人们才能够欣赏到多姿多彩、风格各异的各种设计作品和摄影作品。从摄影创作和设计创作的角度看，摄影和设计赋予了作品不同的形式感，如空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等。作品不同，所体现出的情感和精神内涵也不同。从摄影创作和设计创作的角度看，摄影和设计赋予了作品不同的形式感，如空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等。作品不同，所体现出的情感和精神内涵也不同。
2.平面设计与摄影的视觉元素
色彩:平面与摄影中的色彩可以是色彩构成，也可以说是色彩的相互作用，是以人对色彩的知觉和心理效果出发，运用科学的方法，对复杂的色彩还原为幻想的基本要素，在空间的色彩使用变量，数量和质量，以一定规律去组合各构成之间的相互关系再创造出新的色彩过程。
图形：对于各种图像与图形的通用语。一个概念，视觉的一种思想也可以说是图形。独特的语言分析和直观的图像理解，意味着进化、重建，对客观世界的本质和内在的形成和关系。
文字:文字是人类记录语言的符号系统。在所有视觉媒体中，图片和文字是其两大构成要素。视觉传达的效果就受其影响。文字设计是一种构成技术，是增强视觉效果，提高作品的诉求力，赋予版面审美价值的。
3.平面设计与摄影元素的互动
写实和表意是在画面中色彩的主要是体现。对比构成、调和构成是其出现的形式，用色彩反应客观世界、营造气氛，表达情意是艺术家的目的，色彩的精神价值对人们的视觉有很大的影响作用，通过对色彩的运用，使作品的主题直达观者的精神层面，从而产生情感的共鸣。色彩的设计一般从三个方面去进行。色彩的色相；色彩的直接心理效应源自色彩的物理刺激对人的生理发生的直接影响。不同的色相对人的心理有着不同影响。色彩的明度：也就是色的亮度。在无色彩
中，由一个最高亮度为白色，最低色为黑色和中间从亮到暗的灰色系列组成，每个人对不同明度的统一色相的心理感受是不一样的。色彩的纯度：也就是色彩的鲜浊程度，它通常取决与一种颜色的波长单一程度。
平面和摄影的题材源自于自然和社会，不管是平面还是摄影，创作的原型不能离开客观世界，都是通过反应现实，将艺术家对生活的感知和情感通过艺术语言表达出来。摄影直接描写生活，再现生活。在摄影中表达艺术的真实，不能逾越生活的真实。平面是直接表现生活的艺术，艺术真实不等同于生活的真实，比生活的真实更高、更理想。
4.摄影在设计领域中的应用
摄影是艺术创作，但本质也是一种设计。数字时代，摄影与设计密切相关，摄影在设计活动中起着其他任何技术或活动都代替不了的作用。特别是与视觉和造型有关的设计，更是不能缺少摄影技术。
平面设计涵盖的内容非常丰富，如：招贴设计、路牌广告设计、包装设计、图书封面设计、邮票设计、企业形象设计、插画设计等。数字时代的平面设计与摄影紧密联系在一起的，摄影在其中所起的最主要的作用是提供设计素材，启发创意，以摄影照片为素材的平面设计作品[4]。在平面设计中我们可以用摄影来代替平面中的语言，而摄影我们也会以平面设计的要求去安排来以拍出的画面更美。摄影是不同于绘画的另一种艺术表现方式。平面设计作为一种信息传播模式。通过摄影作为一种通用的视觉语言将创意表达更加完善，同时，数字技术的出现大大扩展图形表达。时代和科学的进步和技术的发展以及更新的概念给摄影提供了更广阔的空间；给平面设计提供更多的可能性。
四、结语
平面设计的素材来自于生活，摄影记录生活某一画面的定格。摄影技术的发展与成熟推动了平面革命，图片以艺术的形式将平面设计主题，形象化、真实化。几乎所有人都可以看得懂。摄影技术的发展要求摄影者通过构图，灯光
色彩等因数去设计好，在按下快门后程现具有一定主题的照片。平面设计中插图是构成的一重要元素，摄影作品在平面设计中形成特殊的语言视觉，所以平面设计和摄影有着密不可分的关系，摄影对平面设计的分量在不断发展,作为设计师，应在“以人为本”的原则，对公众的接受心理为边界，利用平面视觉传达、图像、文
字、色彩的主要元素设计的创新品种，最有效的信息传达给观众，增加产品的受众意识，以达到最佳的信息广播和经济效益。社会经济和文化的发展促使摄影和平面设计成为了独立的两个学科，人们也越来越重视，它们各自发挥其特点、相互补充、相互促进。
（指导教师：段晓明）
参考文献:[1]澎彭.设计与摄影[M].北京：高等教育出版社，20xx，[2]王天平.广告摄影教程[M].北京：复旦大学出版社，20xx，[3]吕凤显.摄影人手册[M].北京：中国建筑工业出版社，20xx，[4]于仲安.人像摄影与平面设计[M].浙江:浙江摄影出版社,20xx，ComplementaryingraphicdesignandphotographyZHUANGZhiyong(Class4Grade20xx,AcademyofFineArtsdesignartdesign,WeinanTeachersUniversity)Abstract:Toobjectrepresentationistheuseoftwo-dimensionalspacephotographyphotographycore,sointhedesignmainlyintheroleoftwoperformanceaspectsofvisualperception.Designandphotography,includingart,scienceperformancetheme,sceneperformance,entertainment,emotion.Graphicdesigncoversthecontentisveryrich,suchas:posterdesign,advertisingdesign,packagingdesign,bookcoverdesign,thestampdesign,corporateimagedesign,illustrationdesign.Thedevelopmentofthedigitalagemakesthegraphicdesignandphotographytogether,photographyplaysthemainroleistoprovidedesign,creativity,tophotographyasthegraphicdesignworkmaterial.Keywords:Graphicdesign;photography;photographyartactivities
篇三：摄影基础论文
浅析人物摄影构图
【摘要】一幅优秀的摄影作品，是技术与艺术的综合体现，是人与大自然的合作结晶，它更来自于主观对客观物象的选取，这种选取不是轻易地按下你的快门，而是充分体现了你的艺术构想和审美取向。在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，不仅在进行画面布局的时候是十分讲究的，而且它也要符合人们的视觉习惯。本论文通过景别在摄影中的运用技巧、特征，以及对照片风格的影响等方面做出了阐述。我们平时构图时可选择的拍摄方位有很多，在任何一个方位都可以作为拍摄点，拍出与众不同的画面，在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行画面布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传迭给受众。或许有些人我们并没见过，但是我们总能通过照片形成对他们的性格认定。有的人是我们家人，儿时的朋友，通过一张张照片，我们可以捕捉到当时的情景。这就是我为什么选择人物的原因。现在无论是书上还是网络上，谈人物摄影的数不胜数，而我所选人物，就是希望通过这次的搜集，整理中，将我对人物摄影的点滴所学记录下来，细细的品味。
【关键字】构图技巧、正面、侧面、背面、特写、半身、全身
【正文】好的照片必须有一个主题——能表达普遍行寓意的主题；好的照片要把观众的注意力集中到趣味中心——被摄主体上；好的照片必须画面简洁，也就是所摄入必要的内容，而排除火压缩分散注意力的内容。
而现在所要谈的被摄主体，便是人。人像可以分为两大类：肖像与抓拍人像。无论被摄对象配合与否都可以拍摄到上述两类人像照片。所以，被摄对象是否意识到正被拍摄或者是否与摄影师进行配合，并不是区分两者的唯一标准。不管拍摄对象距离是远还是近，也不管他与你的关系是疏远还是亲近；无论是在摄影棚里拍摄还是在街头拍摄，无论被摄对象是你最爱的人还是偶尔路过的陌生人，你都要时刻记住有关构图的技术与技巧这些才是能够帮助你充分表达主题思想的最好办法。下面就由我来谈一谈人物摄影构图。构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。
一、构图技巧：艺术摄影更是如此，同样的地点，同样的内容拍出来的照片
效果都大不一样，有的平平淡淡，有的光彩夺目，其原因就在于优秀的摄影者对人物和景物进行了恰当的组织和处理，使人物的外貌和精神面貌甚至于内心思想都能在画面中适当地表现出来，这一切都需要拍摄者具有高超的构图知识和技巧。很多摄影大师，之所以被称为大师，就是他们能够利用高超的摄影技巧和构图知识，把许多被常人认为平淡无奇的景物，拍摄成令人赞叹的传世杰作。
摄影画面的构图，有被公认的一般性法则，但这些法则有时又不是绝对的，不可以生搬硬套。大家所能接受的一些构图法则，也常常会有例外，而且也会随
着时代的变化而改变，新生的将最终取代陈腐的。由此可见，艺术创作在表现方法上是极其灵活的，他没有既定的公式，也不应有僵死的，一成不变的教条，要依靠摄影者根据被摄现对象的具体情况，根据创作主题的要求和摄影者自己的创作意图进行灵活处理。摄影者在现场有充分的选择和决断的自由。这样说，并
大学摄影艺术鉴赏论文
摄影艺术是造型艺术的一种。以照相机和感光材料为工具，运用画面构图、光线、影调（或色调）等造型手段来表现主题并求得其艺术形象。下面是小编整理的关于大学摄影艺术鉴赏论文的内容，欢迎阅读借鉴。
大学摄影艺术鉴赏论文篇1摄影并非是一项简简单单的照相，其中也存在很大的学问、技术、技巧。众所周知著名的导演冯小刚的成功于此就存在很大的关系。
就从简单的拍照说来讲，不同技术的拍同样的东西，效果确然迥然不同，效果差异很大。给人拍照，一般选择本人的前、后、左、右的45度角较好，这样更能突出人物的特征和个性。当然不仅如此，一些背景的选择也非常重要。如身后有一些线条的建筑物或其他的一些东西，这样在拍摄过程中就有好多技术啦！一般要使这些线条拍成直线，这样的话照片中的人物看起来更加沉着，稳定；不懂的人很有可能会把它拍为线条倾斜，这样的照片看起来里面的人则会显得不稳定，焦急，效果不好，如是在高楼上就会感觉到像是有一种掉下的感觉，照片中的人看起来比较消极。还有很多许多需要注意问题，其中重要的就是在照相时要适当的留一些空隙，比如适当的露出天空，一般不要使背景特别闷，这更有助于提高看照片人对照片人做出好的心理判断。电影《大腕》中十分注意对人物的摄影，尤其是对尤优，露茜，泰勒的特写，以及人物在各种不同场合下，不同背景，不同环境中的表情，神态，性格表现的近乎完美。像泰勒在太庙中拍戏，以及和露西，尤优在一块儿走并且谈论葬礼的问题，这一段将他们各自的神态，表情，表现的淋漓尽致。另外尤其在最后结局的时候，对人物的摄影将尤优与露西之间的爱情，以及泰勒与露西和尤优之间的友情通过画面间接表现出来，更现内涵。同时由于摄影艺术的特点，将主角的特色表现了出来，并且更加突出了演员的有点，尤其是将关之琳饰演的露西那美丽漂亮，而又略微调皮的神态表现的形象，给人以深刻的印象。
另外在电影《大腕》中存在一些虚化的运用，使其要表现的主题更加突出，清晰。例如，在拍摄尤优在做打击盗版广告时候，特写尤优，而虚化王小柱逐渐走来的场景，更加突出了尤优的人格特点，以及个性。还有在拍摄结局的时候，这样使图片中的人物显得更加清晰，人物的特征显得非常明显，个性也会显示出来，给人留下深刻的印象；当然啦，电影中把人物虚化的情景也很多。另外，在拍摄景色，如在拍摄太庙，尤优住所，以及大雨天尤优开车去接露西的场景，都把附近的一些人物作虚化处理，这就使得所拍摄的照片中风景显得更加清晰，为了达到这一目的，拍摄者往往是附近的人物作虚化处理，这样就能表现出景物的美。虚化则是摄影中一总要的技巧，在一些电影和电视剧的拍摄之中也往往采用这种方法，是主题更加突出、鲜明，起升华的作用。
电影《大腕》中对色彩，灯光的控制表现的相当精彩，各种侧逆光，逆光，黑白，鲜明色彩，以及人物场景的搭配表现的很和谐，令人感觉舒适享受。其中在乐哈哈广告时那种有黑白到彩色的过度，形成了一中十分鲜明的对比和幽默感。另外其中许多室内的摄影，像对尤优住所的摄影，从而完美的表现出了尤优的生活场景和生活状况。
电影中充分利用立体效果的摄影方法，从而使得画面更加真是，令人身临其境的感觉，例如，泰勒和尤优还有露西三人一起走在故宫的走廊中的场景。
另外从总体效果来说的话，往往要讲究一些均衡的问题，均衡的照片更加适合我们视觉观念。对于均衡一般想做到这一点，往往需要来找一些东西做映衬。电影《大腕》中对均衡做的很好，对色彩，灯光，人物，背景等，就完美的做到的均衡摄影，从而使得影片整体流利，顺畅。
摄影课的知识丰富多彩，摄影选修课是我受益匪浅，我懂得一些摄影的技术与方法，给我的人生增添了更多。
大学摄影艺术鉴赏论文篇2一、摄影文学是当代现实生活不可缺少的艺术形式。
当历史进入21世纪以来，摄影文学因为社会的需要和人们的审美
需要，迅猛发展起来。这有力地证明了摄影文学是当代现实生活不可缺少的艺术形式。我们从以下三方面可以看出摄影文学是当代现实生活迫切需要的艺术形式。
1。旅游胜地的自然风光需要文化积淀，摄影文学可以促进这一进程的迅速完成。
我国不少风景名胜如果缺少文化积淀，那么，其魅力就会大打折扣。人类的遗产包括自然遗产和文化遗产，有的地方是二者皆具，像泰山、武夷山、九寨沟等，既是自然遗产，也是文化遗产。缺乏任何一个方面，她们的魅力都会大大减弱。王夫之说“情景名为二，而实不可离。神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景，景中情。”因为二者如果在诗中实现真正的有机统一，那么诗的价值会成正比地随它的材料的增加而增加，所以景美和情美的有机融合要比单纯的景美或情美富有感染力。这是一种“复杂的美”，而“难美”和艺术上的“伟大”看起来是等同的。摄影文学无疑是可以增加自然景观的文化含量的。2002年11月8日，《文艺报·摄影文学导刊》推出了张家界风光专版《江山如此多娇》。可以说，在1980年以前，张家界无与论比的自然景观是养在深闺人未识。在著名画家吴冠中向世人揭开张家界神秘的面纱以后，随着人们的开发，张家界的容姿日益妖娆。而摄影文学将在一定的程度上促进张家界自然景观的文化积淀。也就是说，张家界在人们的审美观照中愈益摇曳多姿。她再不仅仅是单纯的自然风光，也有迷人的人文风光。
2。没有实感的想象容易缥缈、空洞。
莫·卡冈在《艺术形态学》中指出：“艺术作品首先作为某种物质结构——声音、体积、颜色斑点、词汇、动作的组合，也就是说，作为具有空间特征、或者时间特征、或者空间一时间特征的对象被创作出来，存在并出现在知觉面前。正因为如此，这种作品与人们承认它具有什么尺度的艺术价值、怎样解释它的内容这一点无关，甚至与根本是否知觉它、或者它埋藏在地下、储存在博物馆和图书馆里这一点无关。当然，不能把艺术作品归结为这种物质结构，但是，没有它、离开它、独立于它、不依赖于它，艺术作品就不会存在；艺术作品作
为精神形成物蕴涵在这种结构中，处在这种结构中，不脱离于它，只有通过它才被感知。因此，艺术作品的物质结构方面是它的本体论状态，是它的现实存在的主要基础和条件，同时是它的直接的感性可感的面貌。”（见该书第278—9页）桑塔耶纳在《美感》中也说：“虽然一件衣服、一座大厦或一首诗的感性材料所提供的美多么次要，但是这种感性材料之存在是不可缺少的。”“假如雅典娜的神殿巴特农不是大理石筑成，王冠不是黄金制造，星星没有火光，它们将是平淡无力的东西。在这里，物质美对于感官有更大的吸引力，它刺激我们同时它的形式也是崇高的，它提高而且加强了我们的感情。如果我们的知觉要达到强烈锐敏的最高度，我们就需要这种刺激。举凡不是处处皆美的东西，绝不能销魂夺目。（”见该书第52页）莫·卡冈认为词汇是一种物质结构，但词汇的韵律和我们需要从文学作品所描写的自然美中感受的实感是两回事。为了追求这种实感，近几年来，不少文学经典图书配上了插图。鲍风在2002年10月30日的《长江日报》上对这种现象进行了扫描。他指出，今年2月，北岳文艺出版社出了两本书，即沈从文的《湘行散记》和《边城》。这两本书的出版，可以称为具有现代意识和现代特征的“图文并茂”的书真正出现的标志。这两本书的封面上均注有“插图本”三字，书有沈从文的生活照片和他描写的地区的风光绘画。在《边城》中，书中还有一幅幅饱含湘西风土人情和自然风光的摄影作品，摄影作品和小说情节发展互相映照，使“图”和“文”均成为“小说”的有机组成部分。在这本书中，“图”不再成为可有可无的装饰，而是共同完成着一种“文化旨向”的传播。在《湘行散记》中，不仅有黄永玉画的湘西风情水墨画，也有沈
从文自己为自己的文章所画的插图。当时沈从文因母病还乡，每天写信向张兆和报告沿途见闻，并在信后附上插图，这些插图和信的内容相得益彰，融为一体。在插图本《边城》中，黄永玉用画，卓雅用摄影作品，“图说”小说内容，单纯地看一幅幅插图，可以感受到小说本身的那股浓得化不开的“氛围”。插图本《边城》和《湘行散记》图片虽是黑白的，但在书中构图不一，同样给人以丰富多彩的感
觉。这种插图的确有助于人们身临其境。否则，文学描绘如何入神如画，也难以达到这种奇妙的效果。这种对实感的追求是当代社会人们追求全面发展的必然产物。可以说，摄影文学应运而生，比这更充分地开发了人们的全部潜能。
3。有些摄影艺术作品没有文学描绘，很难展开它的丰富历史内容。
有些摄影艺术作品只有插上了文学想象的翅膀，才能振翅高飞。黑格尔说：“同一句格言，从完全正确地理解了它的年轻人口中说出来时，总没有在阅历极深的成年人心中所具有的那种含义和广度，后者能够表达出这句格言所包含的全部力量。”又说：“老人讲的那些宗教信条，小孩也能说，可是对于老人来说，这些宗教信条包含着他的全部生活的意义。小孩也懂得宗教内容，可是对小孩来说，这种宗教内容的意义只是这样的东西，即全部生活和整个世界都还在它之外。”有些摄影艺术作品本来具有丰富的历史内容，但一般的人很难感受出来，而文学就可以对摄影艺术作品所具有的丰富历史内容进行去蔽和展示。例如，2002年4月19日，《文艺报·摄影文学导刊》发表了李希凡的一幅摄于1954年12月25日的照片，题为《在毛主席身边》。如果没有李希凡的回忆散文，那么人们是很难从这幅照片中捕捉更多的历史内容的。但是，这幅照片的确蕴含了很多很多难以忘怀的历史内容。当然，李希凡所配的散文绝不仅仅是这幅照片的解说、补充，而是相得益彰。因为李希凡在散文中表达了这幅照片所没有蕴含的东西。可以说，照片是过去的，散文是现在的。近半个世纪过去了，经历了多少人事苍桑，毛主席还活着，还活在人们的心中。这就是这篇摄影散文告诉我们的。摄影文学的内在构成成分的相互激活，不但展示了更为丰富的内容，而且极大地满足了人们的审美需要。
二、摄影文学是人类艺术发展的必然产物。
摄影文学作为一门新兴艺术，具有什么基本特征呢？对这个问题，我国不少学人从不同角度进行了深入的探讨，先后提出了“审美复合论”、“审美错位论”、“内爆论”、“螺旋结构论”和“互文论”等。这些对摄影文学的界定都丰富了人们对摄影文学的认识。
起初，我们认识摄影文学是文学、摄影、编导、表演、美术等众
多艺术的审美复合。“摄影文学不仅使摄影艺术突破了传统的纪实性，并冲出了时间空间的局限，使摄影艺术插上了理想的双翼，翱翔于艺术的太空，而且又把文学的艺术语言变成直观形象，把文学相象的描写变成可视的画面，使它既有美的视觉形象，又有精辟的语言艺术”。马龙潜在这个基础上提出了“审美复合论”。他说：“成东方先生所讲的审美复合，是一个深刻的理论范畴。在这里，既讲了摄影文学所内含的各种美学、艺术因素相互间的关系，也讲了摄影文学与其它各种艺术门类、艺术形式之间的关系，又讲了摄影文学与历史时代、社会生活的关系，因此也可以说是一种审美关系复合论。在审美复合论的整体结构中，其基础的层面是审美主客体关系的层面。”“在审美复合论的审美主客体关系层面上，与美的复合结构相对应的是一个多种审美类型和审美心理形式相融合的审美意识复合结构，这是对摄影文学审美认识与审美价值相统一的本质特性的具体规定。这个结构包括自然美的审美、科学美的审美和自然美与科学美复合的文学艺术的审美。”其实，摄影文学有较复杂的一面，也有较简单的一面。刘纲纪认为摄影文学“还可更广泛地深入到社会生活的各个方面。例如，一个大学生、出租车司机、清洁工一天的生活，北京某个胡同的面貌，重要的文物古迹，科技的发明创新、时装表演，国家重大项目（如三峡工程）的建设，重大的政治外交活动，各地的自然风景、生态保护，老百姓在公园的锻炼健身、文化娱乐活动，各个社区的风光、建设，外国人在中国的生活，大的企业、商场、饭店的景观，格调健康、向上的各界演艺明星的生活，均可拍摄。我以为摄影文学的"文学不必局限于传统意义上的纯文学，可以和新闻报导、报告文学结合起来，尽可能贴近社会各界群众的日常生活。”他提出：“摄影与诗、散文的结合较易，困难的是如何以摄影表现小说的内容，找到这种表现特有的形式、规律，以区别于连环画，小说的插图，这问题我一直没想明白。”（见2002年5月10日《文艺报·摄影文学导刊》）对这个问题，人们作出了不同的探讨。有的倾向摄影艺术和文学艺术的有机结合，直接到现实生活中创作摄影小说，有的倾向摄影文学是文学、摄影、编导、表演、美术等众多艺术的审美复合，这较适于改编小说名
著。这都是可以探索和尝试的。因此，我们不能一味地把简单的东西复杂化。“审美复合论”的确揭示了摄影文学的复杂的一面。但有些摄影诗，摄影散文的内在构成是非常单纯和简单的，这就不能用“审美复合论”去把握。
王一川希望通过阐明摄影文学的摄影艺术和文学相互结合的缘由揭示摄影文学的特征。他分析了摄影文学的各种构成成分，认为：“摄影艺术和文学各有其得失。摄影艺术长于提供逼真而直接的视觉性，但在深入思维领域时却是间接的；而文学善于造成具体而生动的思维性，却在还原视觉效果上失于间接性。把两者孤立看，各自缺失是明显的：摄影艺术无法如文学那样提供具体而生动的思维性，而文学难以像摄影艺术那般呈现逼真而直接的视觉性。但是，如果把这两门各有得失的艺术相互匹配走来，却可以获得相互开启和相互补足效果；摄影艺术的视觉性与文学的思维性相互开启即互启，展现出无与伦比的新优势；同时，前者恰好补足文学的视觉间接性，后者又补足摄影艺术的思维间接性，从而达到互补。而正是这种相互匹配产生的互启和互补效果，为摄影艺术与文学综合成为摄影文学，提供了必要而充足的缘由。于是我们就有了摄影文学这门新兴边缘艺术。它由照片和文学两部分相互匹配而成为一个整体。匹配，不是完全同一或完美融合，而是各自独立前提下的携手合作；也不是随意拼贴、凑合，而是要充分利用各自的优势达成互启互补的效果，由于产生这种互启和互补效果，摄影文学显示出新奇而强劲的表现力。”的确，这两种艺术各有优势各有局限，但这并不必然导致结合。同时，这种结合既可能增值，1+1＞2，也可能相互损害，1+1＜2。孙绍振在进一步地解剖了摄影文学的内在构成成分及其关系时提出了“审美错位论”。他说：“对于摄影文学的艺术价值，其摄影的质量自然是很重要的，但是其文字的质量却是更为关键的。它的首要条件就是摆脱被动，不能局限于对画面的说明；然而又不能完全脱离画面，这应该与画面保持一种错位，文字与画面应该是一种若即若离的关系，而不是被动依附的关系。这样才能构成一种情绪的张力场。当然，不能是抒情，直接抒情会导致滥情，它只能是一种叙述，但又是一种想象的索引。在
叙事与情感的提示之间，在画面与文字之间保持一种错位性张力是摄影文学的生命之所在。”摄影文学的内在构成成分的关系不一定都是错位的。有时，它们可能是相互规定，相互阐发。这种关系很可能是互为比兴的。
阎国忠认为：“摄影文学不同于过去的带插画的章回小说，带文学说明的连环画、卡通画，不同于传统的中国题诗画，这个不同就在于它是由摄影与文学结合构成的一个整体，而在这个整体中，摄影与文学又都具有相对的独立性。它们之间的关系是相互发现、相互阐释、相互擢升的对话性关系。摄影文学中的摄影与文学在创作过程中，总是一先一后，一个是直接面对生活或自然，一个则是面对已经完成的艺术品，这就是说，一个从生活或自然中去发现，并把它艺术地再现出来，一个从已有的发现中去再发现，从而把欣赏者的目光引导到某一个特定的视角上。当然，创作不会是一蹴而就的，很可能还要反馈回来，前一作品由后一作品的启发而又有新的发现，于是不得不作进一步的修改。”他提出了“螺旋结构论”。“摄影文学作为艺术整体不是平面结构，而是像遗传基因一样的螺旋结构。它们不仅在互相发现和互相
阐释，而且在互相攀援和擢升。摄影中包含的诗意启迪着文字，文学中蕴孕的画面照示着摄影，当在摄影文学中碰撞在一起的时候，它们都因这种碰撞而净化了、升华了。它们既是自己，又不再是自己。”阎国忠认为摄影文学是一种螺旋结构很有道理，但他认为摄影文学中的摄影和文学在创作过程中总是一先一后不完全符合事实。摄影文学成为人人都可以创作的艺术形式，就因为它能够即兴创作。这种即兴创作不存在一先一后的情况。
从上可以看出，人们对摄影文学的探讨虽不完善，但不同程度地揭示了摄影文学的一些本质特征，我们要在推动摄影文学的发展的基础上进行取舍和综合。
钱钟书在《七缀集》中指出：“叶燮论诗文选本，曾慨叹说：名为“文选”，实则人选。（《己畦集》卷三《选家说》）一般名为文艺评论史也，实则是《历代文艺界名人发言纪要》，人物个个有名气，言论常常无实质。倒是诗、词、随笔里，小说、戏曲里，乃至谣谚和训诂里，往往无意中三言两语，说出了精辟的见解，益人神智；把它们演绎出来，对文艺理论很有贡献。也许有人说，这些鸡零狗碎的东西不成气候，值不得搜采和表彰，充其量是孤立的、自发的偶见，够不上系统的、自觉的理论。不过，正因为零星琐屑的东西易被忽视和遗忘，就愈需要收拾和爱惜；自发的孤单见解是自觉的周密理论的根苗。再说，我们孜孜阅读的诗话、文论之类，未必都说得上有什么理论系统。更不妨回顾一下思想史罢。许多严密周全的思想和哲学系统经不起时间的推排销蚀，在整体上都垮塌了，但是它们的一些个别见解还为后世所采取而未失去时效。好比庞大的建筑物已遭破坏，住不得人、也唬不得人了，而构成它的一些木石砖瓦仍不失为可资利用的好材料。往往整个理论系统剩下来的有价值东西只是一些片段思想。脱离了系统而遗留的片段思想和萌发而未构成系统的片断思想，两者同样是零碎的。眼里只有长篇大论，瞧不起片言只语，甚至陶醉于数量，重视废话一吨，轻视微言一克，那是浅薄庸俗的看法——假使不是懒惰粗浮的借口。”狄德罗在《关于戏剧演员的诡论》中提出：演员必须自己内心冷静，才能惟妙惟肖地体现所扮角色的热烈情感，他先得学会不“动于中”，才能把角色的喜怒哀乐生动地“形于外”；譬如逼真表演剧中人的狂怒时，演员自己绝不认真冒火发疯。其实在十八世纪欧洲，这并非狄德罗一家之言，而且堂·吉诃德老早一语道破：“喜剧里最聪明的角色是傻呼呼的小丑，因为扮演傻角的决不是个傻子”。正如扮演狂怒的角色的决不是暴怒发狂的人。中国古代民间的大众智慧也觉察那个道理，简括为七字谚语：“先学无情后学戏”。钱钟书说：“狄德罗的理论使我们回过头来，对这句中国老话刮目相看，认识到它的深厚的义蕴；同时，这句中国老话也仿佛在十万八千里外给狄德罗以声援，我们因而认识到他那理论不是一个洋人的偏见和诡辩。这种回过头来另眼相看，正是黑格尔一再讲的认识过程的重要转折点：对习惯事物增进了理解，由识转而为知，从旧相识进而成真相知。我敢说，作为理论上的发现，那句俗话并不下于狄德罗的文章。”（见该书第33—5页）这就告诉我们，引进西方的各种先进理
论，是为了更好地把握和认识客观世界，而不是管中窥豹，以一斑代替全豹。这是我们在探讨摄影文学的过程中需要注意的。其实，摄影文学的出现是艺术发展的必然产物。莫·卡冈在《艺术形态学》中深刻地把握了艺术世界界限的扩大和缩小的规律。他指出：“人类艺术发展的这些整合力以三种形式表现出来，这个过程中产生的艺术结合的三种不同方法可以称为聚集法、格局配合法和有机构成法。”（见该书第246页）聚集法就是不同艺术作品在某一段空间或时间中的机械联结，因此，所形成的聚集物的每个组成部分都同其它部分有着纯外在的联系，同时完全保存着自己的艺术独立性。例如，通常音乐会节目单上各种不同艺术的结合就是这样，这里一个节目跟在另一个节目的后面，另一个节目演完就演它，它以一种“三一律”同所有其它节目相联系，——地点的统一（音乐会的舞台），时间的统一（这场演出进行的时间），而代替情节统一的是统一的报幕员……另一个例证是各种各样的建筑物和雕刻纪念碑的聚集物。这里楼房和
纪念碑相邻而立纯属偶然，人们对它们的知觉是独立地和相互隔绝地进行的，它们不能形成统一和完整的艺术格局。而当这样的格局被创造出来时，它的每一个组成部分所具有的已经不是绝对的，而只是相对的独立性：我们当然可以（在一定意义上说甚至是应该）逐个仔细观察普希金剧院的建筑和小广场上的叶卡捷琳娜二世的纪念碑，最后还有俄罗斯大街的背景，甚至连同它的每一个断面，但是这个复杂的格局的任何一个成分都要求我们将其置于同其它成分和整体的关系中，因为没有这个相互关系、节律的重复和明显的对峙的体系，它便不会把它的审美意义充分地展现在我们面前。同样，作为艺术整体而设计的音乐会的演出中，每一个节目都以发展的情节的逻辑同其它节目相联结，而且这样一来就被导演一总导演引入同前后节目的相互中介的体系中，成为某种“舞台格局”，其组成部分的独立性又已不是绝对的，而是相对的。这是格局配合法。艺术整体化的第三个方法是有机构成法，它表现在两种或几种艺术的互相融合产生性质上独特的和完整的新艺术结构，它的组成部分在其中融合得只有通过科学分析才能在空虚结构统一体中把它们区分开来。艺术创作基本形式的联
系的这种方法为诸如大合唱曲所固有，在这种大合唱曲中诗文和旋律结合成一个不可分割的艺术统一体，或者为沙尔特尔斯基大教堂、西斯廷教堂、罗斯特拉圆柱类型的建筑一雕塑建筑物所固有，这里的艺术“组成部分”也同样牢不可分。离开建筑，著名的帕提侬神庙檐壁的结构简直不可理解，因为可以用内接的嵌入的山墙尖三角面的形式对它作出解释。
不同艺术联系的第三种类型是有机构成，它有别于前两种类型，产生于特殊的原因，获得了特别重要的形态学意义，因为在这条道路上正在形成在质的方面独特的新艺术结构——艺术的新样式和新品种。摄影文学就是摄影艺术和文学艺术的有机构成。这种综合的条件首先是文字，然后是印刷术的发明；由于有了文字和印刷术，人们有可能把活的语言变为固定的空间的语言，换言之，有可能把口头语言变为书面语言，并以此为文本与徒刑和装饰的结合创造了条件。如果说在书籍艺术中造型和实用艺术是文学的庇护下进行综合的话，那么在漫画、讽刺画和宣传画中情况则相反；诗文与造型和实用艺术的结合中，起主要作用的是造型和实用艺术。而摄影文学中的文学不是摄影的注脚，摄影不是文学的图解，是二者的有机融合，它们构成一个既丰富又充满生命的审美意境。
同时，摄影文学也是现代科技产物。莫·卡冈指出：“二十世纪产生了现代技术开辟的空间和时间的艺术联结的极为丰富的可能性，——我们只要提及电影和电视就足以说明问题；在新的技术基础上人们正在探寻着声音结构和非再现的颜色结构和立体一选型结构相结合的前所未有的方法（色彩音乐，动力学艺术）。”（见《艺术形态学》第252页）虽然摄影文学和中国古代题诗画有区别，但不能把摄影对现实的反映同绘画一书画刻印艺术对现实的再现绝对对立起来；这里的差别是相对的，而不是绝对的。可以说，没有现代科技照相术的出现，就没有摄影文学。因此，摄影文学既是人类艺术发展的必然产物，也是现代科技的产物。然而，莫·卡冈说：“空间结构和时间结构只有在一个条件下才能有机地结合在一起——完全从属于后者。”（同上）这个规律就不完全适合摄影文学。摄影文学的空间结构和时间结构更
复杂，既有前者从属于后者的情况，如有些摄影报告文学、摄影小说，又有后者从属于前者的情况，如有些摄影诗等。
三、人人成为创造艺术的主人。
马克思恩格斯在《德意志意识形态》中指出：“当分工一出现之后，每个人就有了自己一定的特殊的活动范围，这个范围是强加于他的，他不能超出这个范围：他是一个猎人、渔夫或牧人，或者是一个批判的批判者，只要他不想失去生活资料，他就始终应该是这样的人。而在共产主义社会里，任何人都没有特定的活动范围，每个人都可以在任何部门内发展，社会调节着整个生产，因而使我有可能随我自己的心愿今天干这事，明天干那事，上午打猎，下午捕鱼，傍晚从事畜牧，晚饭后从事批判，但并不因此就使我成为一个猎人、渔夫、牧人或批判者。”马克思恩格斯这个理想不是反对分工本身，而是反对强迫分工。他们指出：“只要人们还处在自发地形成的社会中，也就是说，只要私人利益和公共利益之间还有分裂，也就是说，只要分工还不是出于自愿，而是自发的，那末人本身的活动对人说来就成为一种异己的、与他对立的力量，这种力量驱使着人，而不是人驾驭着这种力量。”（见《马克思恩格斯选集》第1卷第37—8页）
可是，在历史的发展过程中，“人类的才能的这种发展，虽然在开始时要靠牺牲多数的个人，甚至靠牺牲整个阶段，但最终会克服这种对抗，而同每个人的发展相一致；因此，个性的比较高度的发展，只有以牺牲个人的历史过程为代价。”（转引自《回到中国悲剧》第93页）正如莫·卡冈指出，古代艺术混合性的解体保证了艺术创作不同方法的独立存在，同时具有积极的和消极的审美后果。具有积极的后果是因为，这里同在物质文化和精神文化的所有其它领域中一样，劳动分工是互相隔绝的并成为狭窄专业化的活动形式进步发展和完善的必要条件。但同时为获得任何成果都必须付出昂贵的代价，从古代混合的线团中抽出一些单根线来的历史过程也具有明显的消极后果。巨大的成就会变成同样严重的损失，即混合创作所具有的艺术反映生活的多面性和圆满程度的丧失：须知，艺术掌握世界的不同方法的结合
能够使描述的内容得到来自不同方向的光辉的照射，能够摹拟主、客体联系的各个方面，创造多维的“大容量”的形象，而不是单方面的、似乎只在一个语言、音乐或舞蹈等平面上展开的形象。
在历史上，艺术创造往往成为极少数人垄断的领域。当然，在艺术这种发展过程中，基层民众也进行了艺术创造，只是这种艺术创造还处在自发阶段，没有上升到自觉阶段。这是因为历史条件的限制。
瓦·本杰明在《机械复制时代的艺术作品》中指出：“机械复制在世界上开天辟地第一次把艺术作品从它对仪式的寄生性的依附中解放出来了。”“复制技术把被复制的对象从传统下解脱出来，它制造了许许多多的复制品，用众多的摹本代替了独一无二的存在。”（见《西方马克思主义美学文选》第243—7页）在机械复制时代，艺术作品成为人人都可以欣赏的对象，再不是极少数人垄断的对象。人人成为欣赏艺术的主人。摄影文学的出现，标志着人人都可以成为创造艺术的主人。当前，民谣和民歌的广泛流行，虽然形式相当粗糙，甚至有的有些粗鄙，但是因为有些民谣和民歌较为真实地反映了历史的一些真实的东西，酣畅淋漓地抒发了人们的某些思想感情，至少减缓和减轻了人们的某些压力和郁闷。所以这种粗糙的艺术形式成为了当今大众狂欢的形式。随着人们的物质和文化生活水平的不断提高，尤其是随着照相机走进千家万户，人们将会主动地创作摄影文学，摄影文学将成为人们喜爱的创作形式。只是有的保存下来，发表出来，成为共享的对象。有的仅仅以个人独享的形式出现。其实，不同的人对人生、对家庭、对历史、对社会都有比较独特的感悟，只不过这些感悟比较零散而已。这些感悟以摄影文学的形式反映出来，就相当完整了，就构成了一部艺术作品。可以说，单独的摄影难以表现富有韵味的内容，单独的思想感情的感悟也难以构成完整的文学作品，只有这两者的有机结合，才能形成艺术作品。例如，2002年3月29日，《文艺报·摄影文学导刊》发表的金开诚的《西湖漫步》。“万众寻春挤满山，游人佳景两难堪。西湖最好无名处，风自清新月自闲。”金开诚在《西湖漫步》中无一处写“我”，但无一处不是写“我”。可以说，这个“西湖”既是风景名胜西湖，也是文化名人金开诚。这首《西湖
漫步》的诗和金开诚这个文化名人结合起来，产生了远远超出诗本身的丰富意蕴，具有味外之旨。这种艺术形式的创作相当灵活、自由。它的出现标志着人人将成为艺术创造的主人。
摄影技术论文2000字
摄影技术论文2000字篇一摄影曝光技术研究作者简介：第一作者：王冲(1980).男.汉族.讲师.艺术硕士.青岛农业大学动漫与传媒学院.研究方向：摄影第二作者：栾涛(1975).男.汉族.讲师.硕士.青岛农业大学动漫与传媒学院.研究方向：影视摘要：摄影技术的发明是人类文明的伟大成就之一.它凝结着无数人的心血.自1839年法国人达盖尔发明摄影术到今天.从感光材料到光学成像技术.从机械相机到今天的数码相机.无不昭示着时代的进步。
然而无论是胶片还是数码.我们在拍摄的过程中总免不了要面对曝光的问题.而这一问题并不会随着新技术的变革而使得拍摄者在按快门的瞬间随心所欲.曝光技术的好坏某种程度上决定的一张照片的技术指标是否合乎要求。
关键词：曝光;测光;曝光失误一、关于曝光光线通过镜头.经过快门.并且在底片上形成一个潜在的影像.这个过程我们把它叫做曝光。
在这个过程中.我们首先得明确的是.光线来自哪里。
其实这里讲的光线主要是指被摄静物自身的亮度.景物的亮度不一会产生不同强弱的光线.从而对胶片的“刺激程度也就不同。
从感光材料的性能角度来讲.无论是先前的黑白胶卷还是彩色胶卷.其基本的结构都是在片基上覆盖的化学感光乳剂.景物自身的亮度形成不同强弱的光线.在快门按动一刹那.光线穿过镜头投射在底片上.胶片上的感光乳剂在被光线照射的一刹那发生化学反应形成新的小颗.
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粒沉淀在片基上.这个过程是看不着、摸不到的。
我们需要把胶片拿到暗房进行冲洗.在冲洗的过程中.曝光的部分被保留在片基上.未被曝光的部分会被药水冲洗掉.形成深深浅浅的影纹.这就是通常我们所说的洗胶卷。
冲好的胶卷拿到灯箱下或者对着太阳光看.能看到一张张的“负像.利用这个负像我们就可以在黑白放大机或者彩色放大机上扩印出照片来。
这就是塔尔伯特发明的“负正系统。
随着数码时代的到来.今天我们所使用的相机基本上都是数字技术的相机.其记录影像的载体发生了根本性的变化.感光材料由原先的胶片换成了今天的CCD芯片.影像的取得变得更加得心应手.那么是否曝光技术也变得简单易控了呢?实际情况并非如此。
二、曝光的影响因素首先.摄影离不开光源.光源的照度决定着被摄景物的光照强度.从而产生不同的亮度.而景物的亮度除了光源强度之外还有自身对光线的吸收能力。
不同材料的景物有着不同的反射率.也影响着自身的亮度。
在我们摄影过程中.面对不同亮度的景物.由于其亮度不一.所以测光的数据也会截然不同。
例如面对浅颜色的物体.相机的内测光系统就会自动的减少曝光.面对深色的物体.照相机就会自动的增加曝光。
所有这些因素就构成了影响曝光的外部因素。
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其次.照相机的光圈、快门也对曝光有着极其重要的影响因素.光圈就像水龙头.我们通过改变其大小来控制曝光的强度;快门速度也是控制曝光总量的重要因素.它的作用在于控制曝光时间长短.这个原理跟水龙头放水到原理一样。
由此看来光圈与快门是一对相互制约的“亲兄弟.它们的协同关系共同影响着曝光总量.通常情况下同一个曝光总量会有多种曝光组合.在实际拍摄过程中任意一个环节搭配的不合适都会对曝光产生影响。
另外.胶片的性质(感光度)在曝光的过程中也显得尤为重要.在数码相机问世之前.我们用的胶片有着不同的型号.其中一个关键的区别标准就是感光度的高低.通常情况下我们比较常用的感光胶片是ISO100的感光胶片.这是自然光条件充足的情况下最最常用的一种胶片.属于慢速胶片.但是由于其颗粒比较细.反差比较大.所以也是摄影者比较青睐的一种胶片。
而感光度比较高的胶片被大量运用在新闻摄影以及弱光条件场合.由于其对光的敏感程度较高.在光圈一定的前提下极大的提高了快门速度.很适合新闻现场不用闪光灯的环境下抓拍.因此也有相当大的市场。
时至今日.随着高科技的进步.数码相机技术革新日新月异.高感光度的设计为摄影创作提供了更加广阔的创作空间.佳能5D3感光度高达2560.简直不可想象。
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但是高感光度的设置提高了快门速度.也显现了它的弊端.影像的反差变小、灰雾变大、颗粒变粗、影像的边缘不够锐利了.同时在光线充足的情况下运用高感拍摄也很容易造成曝光过度.这在一定程度上影响了影像的质量。
三、关于测光综上所述.我们知道影响曝光的因素很多.光源、景物、光圈、快门、感光度.这些因素中无论哪个环节搭配的不合适都会对曝光产生严重的后果.那么我们到底应该怎么样来确定准确的曝光数据呢?首先.测光的方法有两种：入射光测光法和反射光测光法。
入射光测光的方法主要是通过独立式测光表来进行测光.这种测光方法的好处是测光表测得的是光源的照度.并且根据测量的结果来确定曝光数据：光圈与快门的大小。
由于测光表直接测得的是光源的照度.所以不会受到被摄景物亮度的影响.测得的数据比较准确。
而反射光测光法主要是测得的被摄景物的亮度.这种测量方法比较普遍.除了独立式测光表之外.照相机自身就具备这种功能.其工作原理很简单：拍摄的时候用相机测光点对准被摄景物.“半按快门(轻轻触动快门.不按到底)就可以实现.但是这种测光方式的缺陷在于.由于照相机的内测光系统测得的数据是以18%的普通景物为标准的.一旦景物当中出现大面积的白色或者大面积的黑色就会出现测光失误的问题.比如拍摄白雪.由于测光系统的误判.它就会认为景物太亮.需要减少曝光.结果造成曝光不足(白雪不白).同样道理拍摄黑色物体的时候..
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相机自动增加曝光造成黑色物体曝光过度(黑色变成灰色).解决这个问题的方法有几个.第一种方法是：利用相机的曝光补偿装置增加或者减少曝光.拍白雪的时候增加一档或者两档曝光.拍摄黑色物体或者有明显阴影的物体的时候减一档到两档曝光。
第二种方法是：找一个灰色物体(接近18%反光率的物体)进行测光.先用自动挡测量.然后记下数据把相机调成纯手动模式.重新把用自动挡时测得的数据输入相机进行拍摄。
由此.我们不难发现在没有入射光测光表的时候.只有在两种情况下我们可以得到准确的曝光.一种是被摄景物是平均反光率的物体.一种是景物虽然有深有浅.但是平均反光率是中等反光率。
当景物当中出现大面积白色或黑色的时候就需要适当运用曝光补偿或者找一块灰色物体进行测光.实在找不到可以利用我们的手背进行测光.因为我们黄种人的皮肤发光率是30%.接近于18%的灰板的反光率。
其次.从测光模式选择上来看我们要学会选择合适的测光模式。
照相机的内测光模式主要有中央重点测光、平均测光、点测光、评价测光等.针对不同的景物.我们可以有选择性的选取合适的测光模式.比如如果是拍雪景.平均测光就该慎用.要是画面中再有人物出现那测光模式的选择就更显得重要了。
人像摄影在测光的时候可以选择点测光或者中央重点测光.因为通常情况下人物是画面的主体.拍人物特写可以选用点测光对准人物.
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脸部明暗交界处的能够体现人物脸部质感的区域测光.拍摄全身像则可以选择中央重点测光以画面中央区域为测光标准进行测光。
如果背景是一般性反射率的景物则可以选择平均测光。
数字技术的发明处处昭示着科技的进步.给我们的生产生活带来了极大的便利.但是不变的永远是技术和思想.一名摄影者想成为优秀的摄影人必须扎扎实实地把基础打牢固.必须能耐下心来学习、研究.一名新闻记者更是要有扎实的基本功才能真正做到“两翼齐飞。
(作者单位：青岛农业大学动漫与传媒学院)点击下页还有更多>>>摄影技术论文2000字
有时摄影也会被称为照相.也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。
有人说过一句精辟的话：摄影家的能力就是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。
1.摄影的类型1.1记录摄影。
摄影诞生.是为了记录。
它诞生以后所显示出来的强大的生命力.也恰恰在于它的记录功能。
这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。
因此.从广义上说.摄影就是记录。
1.2艺术摄影。
随着摄影的发展.人们在摄影中不断地增加艺术元素.开始产生艺.
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术摄影。
它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低.而无绝对的界限。
例如：我们去照张相做身份证或留个影.一般照相馆拍摄的照片.最多有点资料或记录价值。
可是.齐白石先生的人像.多年过去了.至今仍是世界20幅最优秀的人像作品之一。
其中的差别就在于艺术性的高低。
1.3画意摄影。
画意摄影的唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。
19世纪后半叶.英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了的作品——《人生的两条路》.在摄影还被轻视的当时.这幅作品就以其劝勉性的主题和油画式的构图.受到了维多利亚女王的极高评价。
可以这样说.雷兰达对推进摄影被承认为一门艺术功不可没。
从此.画意摄影逐渐成为摄影艺术的一个重要流派。
1.4水墨风格摄影。
和传统的水墨画一样.目前出现的水墨摄影作品.按题材.可以分为风景和花鸟.对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境.可以分为抽象和具体.对应国画中的写意和工笔。
水墨风格的摄影照片虽然少不了Photoshop等软件的后期加工.但.
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是这并不意味着可以任意扭曲原照片。
好的水墨摄影作品要尽量少地修改原照片.它考验更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。
1.5全息摄影。
全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。
普通设摄影记录物体面上的光强分布.不能记录物体发射光的位相信息.因而失去立体感。
全息摄影采用激光作为照明光源.并将光源发出的光分为两束.一束直接射向感光片.另一束经被摄物的反射后再射向感光片。
人眼直接去看这种感光的底片.只能看到像指纹一样的干涉条纹.但如果用激光去照射它.人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。
一张全息摄影图片即使只剩下一小部分.也可以重现全部景物。
全息摄影可应用于工业上进行无损探伤、超声全息、全息显微镜、全息摄影存储器、全息电影和电视等许多方面。
2.摄影技术的创新摄影艺术的追求与科学技术的追求不同.科学技术的追求总有新的领域去探讨和追寻。
摄影艺术的目的即在于激发观众的智慧和感情。
它的新领驭就在于摄影艺术家内在的探讨。
正如世界上没有两片相同的叶子般.世界上的每一个人都是不同.
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的个体.摄影艺术家独有的个性和表现就是他能追求而带来的新领域。
摄影常常被人称为“视觉的语言.相机则被形容为“第三只眼睛。
如果我们认真地看待它.“第三只眼睛所看到的将是独具慧眼的观察.而“视觉的语言所表达的将是独特的个人情感和思维.那么摄影作品的价值就不再是任何先进的科技所能够取代或者复制的了。
2.1作者本身的气质素养决定了作品创新的个性。
文化孕育了个人艺术的气质和修养.作者本身的文化气质和素养就是作品创新的度量衡。
随着世界文化的进一步交融.摄影的创新需要对世界趋势的高瞻远瞩.需要对优秀作品的借鉴学习.需要对大胆另类作品的批判容纳。
摄影作品的生命力.反映了摄影者的创新思维和学习激情。
摄影者必须不断拓宽视野.并将新知识新理念运用在自己的创作中.创新才会在作品中有更深刻的体现。
可以这样说.创新既是衡量摄影者对世界认知和包容的尺度.又是摄影作品容纳百家所长获得的认同。
2.2注重细节表达是摄影创新的基本手段。
我们在进行摄影创作时.要对作品有清晰的概念和准确的定位.除了熟练地运用摄影技术技巧和造型语言之外.还要善于倾注情感.渗透更强的情绪.创作中更要注重细节的表达和细节的处理.以展现生活中最具代表意义和最美的一面.从而带给人们赏心悦目的艺术享受。
人们都说梵·高的画是世界绘画史上的一次创新外.除了画风创.
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新.人们还注意到一个细节.就是梵·高在画里画出了无形的风。
摄影也一样.需要用细节传递摄影者本身的情感.需要通过细节来探索和发现。
2.3突破个人思维局限.对题材进行深层挖掘是作品创新的重要环节。
摄影作为个体的视觉造型艺术.首先注重的是个性化的张扬.而创新则从作者个性的逆反思维开始。
逆反的思维方式.应该是在继承和借鉴传统的基础上进行的一种反传统思维。
这种思维锐意求新.完全不羁于传统的摄影理论和法则。
由于作品代表的是摄影者的个性.而个性的表现则是作者进行思考和接搜新思路的体现。
个性的创新包括作品在内容上的丰富和在形式上的新颖。
标新立异的创作思维往往有先入为主的优势.尽管后来可能会引起竞相模仿.但是人总是认同第一次出现的事物。
有时候拍摄同样的内容.作者别出心裁同样会使作品有别于其他的特质.这就是一种创新。
关于这一点.我在风光摄影的时间上有很深的体会。
摄影考验的是摄影者对题材观察的细心、等待的耐心和不厌其烦踩点的决心。
有了这“三心.才能发现在不同时间空间之下同一景物呈现的不.
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同状态.并在瞬间的快门中捕获鲜为人知甚至不为人知的细节。
这样做的收获是：作品最终能够以新的形式表达自然景物最富表现力的一面。
3.结语总之.摄影的创新不但需要对题材进行细节的“微距观察.而且需要对世界艺术氛围的“广角观测.更需要作者突破个人思维的局限.它是摄影者对摄影艺术的义务和对艺术的更好的诠释。
作为新一代的摄影工作者.我们不仅要在艺术形式与艺术技巧上创新.而且要在作品四项内容上大胆创新.创作出内容丰富、思想性强、富于时代精神、具有较强艺术感染力的摄影作品。
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摄影技术论文2000字(2)摄影技术论文2000字篇二
摄影中的创新技术问题
英文摄影Photography一词是源于希腊语Φωphos(光线)和γραΦιgraphis(绘画、绘图)或γραΦηgraphê，两字一起的意思是“以光线绘图”，是指使用某种专门设备进行摄像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过一句精辟的话：摄影家的能力就是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。
1.摄影的类型
1.1记录摄影。
摄影诞生，是为了记录。它诞生以后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。
1.2艺术摄影。
随着摄影的发展，人们在摄影中不断地增加艺术元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。例如：我们去照张相做身份证或留个影，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，齐白石先生的人像，多年过去了，至今仍是世界20幅最优秀的人像作品之一。其中的差别就在于艺术性的高低。
1.3画意摄影。
画意摄影的唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。19世纪后半叶，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品——《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品就以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影被承认为一门艺术功不可没。从此，画意摄影逐渐成为摄影艺术的一个
重要流派。
1.4水墨风格摄影。
和传统的水墨画一样，目前出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景和花鸟，对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境，可以分为抽象和具体，对应国画中的写意和工笔。水墨风格的摄影照片虽然少不了Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少地修改原照片，它考验更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。
1.5全息摄影。
全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通设摄影记录物体面上的光强分布，不能记录物体发射光的位相信息，因而失去立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影图片即使只剩下一小部分，也可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤、超声全息、全息显微镜、全息摄影存储器、全息电影和电视等许多方面。
2.摄影技术的创新
摄影艺术的追求与科学技术的追求不同，科学技术的追求总有新的领域去探讨和追寻。摄影艺术的目的即在于激发观众的智慧和感情。它的新领驭就在于摄影艺术家内在的探讨。正如世界上没有两片相同的叶子般，世界上的每一个人都是不同的个体，摄影艺术家独有的个性和表现就是他能追求而带来的新领域。
摄影常常被人称为“视觉的语言”，相机则被形容为“第三只眼睛”。如果我们认真地看待它，“第三只眼睛”所看到的将是独具慧眼的观察，而“视觉的语言”所表达的将是独特的个人情感和思维，那么摄影作品的价值就不再是任何先进的科技所能够取代或者复制的了。
2.1作者本身的气质素养决定了作品创新的个性。
文化孕育了个人艺术的气质和修养，作者本身的文化气质和素养就是作品创新的度量衡。随着世界文化的进一步交融，摄影的创新需要对世界趋势的高瞻远瞩，需要对优秀作品的借鉴学习，需要对大胆另类作品的批判容纳。摄影作品的生命力，反映了摄影者的创新思维和学习激情。摄影者必须不断拓宽视野，并将新知识新理念运用在自己的创作中，创新才会在作品中有更深刻的体现。可以这样说，创新既是衡量摄影者对世界认知和包容的尺度，又是摄影作品容纳百家所长获得的认同。
2.2注重细节表达是摄影创新的基本手段。
我们在进行摄影创作时，要对作品有清晰的概念和准确的定位，除了熟练地运用摄影技术技巧和造型语言之外，还要善于倾注情感，渗透更强的情绪，创作中更要注重细节的表达和细节的处理，以展现生活中最具代表意义和最美的一面，从而带给人们赏心悦目的艺术享受。人们都说梵·高的画是世界绘画史上的一次创新外，除了画风创新，人们还注意到一个细节，就是梵·高在画里画出了无形的风。摄影也一样，需要用细节传递摄影者本身的情感，需要通过细节来探索和发现。
2.3突破个人思维局限，对题材进行深层挖掘是作品创新的重要环节。
摄影作为个体的视觉造型艺术，首先注重的是个性化的张扬，而创新则从作者个性的逆反思维开始。逆反的思维方式，应该是在继承和借鉴传统的基础上进行的一种反传统思维。这种思维锐意求新，完全不羁于传统的摄影理论和法则。
由于作品代表的是摄影者的个性，而个性的表现则是作者进行思考和接搜新思路的体现。个性的创新包括作品在内容上的丰富和在形式上的新颖。标新立异的创作思维往往有先入为主的优势，尽管后来可能会引起竞相模仿，但是人总是认同第一次出现的事物。有时候拍摄同样的内容，作者别出心裁同样会使作品有别于其他的特质，这就是一种创新。
关于这一点，我在风光摄影的时间上有很深的体会。摄影考验的是摄影者对题材观察的细心、等待的耐心和不厌其烦踩点的决心。有了这“三心”，才能发现在不同时间空间之下同一景物呈现的不同状态，并在瞬间的快门中捕获鲜为人知甚至不为人知的细节。这样做的收获是：作品最终能够以新的形式表达自然景物最富表现力的一面。
3.结语
总之，摄影的创新不但需要对题材进行细节的“微距”观察，而且需要对世界艺术氛围的“广角”观测，更需要作者突破个人思维的局限，它是摄影者对摄影艺术的义务和对艺术的更好的诠释。作为新一代的摄影工作者，我们不仅要在艺术形式与艺术技巧上创新，而且要在作品四项内容上大胆创新，创作出内容丰富、思想性强、富于时代精神、具有较强艺术感染力的摄影作品。
参考文献：
[1]夏洪波.浅析创新思维对摄影作品的影响.文学与艺术，2011，(5).[2]尹秋颖.浅析摄影教学中创新能力的培养.中国科教创新导刊，2009，(8).[3]刘军杰.探究摄影创新能力的培养.科教导刊，2010，(36).
艺术摄影论文
艺术，与其说关乎方法和工艺，不如更关乎气质、品味和情感……在艺术家的手里，摄影变成了艺术……简而言之，摄影就是摄影师把它当成什么。下面是店铺整理的一些关于艺术摄影的论文，供大家参阅。
艺术摄影论文一：浅谈艺术摄影用光技巧的重要性
光与影这两者具有非常密切的联系，不管是自天还是夜晚，影子都会因为光的存在而存在。在现实生活中，光表现得较为现实，在此种背景下，光与影的完美组合成功的转移了人们的注意力，也影响了人们对事物的准确判断。在摄影过程中，摄影师要借助自身的艺术修养，通过光影技术等多种手段来达到较好的艺术效果。
一、摄影艺术的概述
所谓摄影是指借助镜头来表现真实画面的艺术媒介。从这一点来看，摄影媒介不能将自己诊释出来，正因为如此，这种艺术介质影响着人们对摄影的看法。我们平常所看到的照片具有明显的真实性。摄影师借助照片将真实的场景呈现出来，与此同时摄影师也具有表现真实场景的欲望。摄影摄像技术借助不同的形式来持续、分化其所涉及的领域。
二、光线对生活与拍摄的影响
(一)拍摄的整体效果受到光线的影响
从物理学的方面来讲，照射在某一物体表面的光线、物体本身的反射能力都会影响着某一物体本身的亮度。比如:一块黑色的抹布，虽然这块抹布自身具有较弱的反光能力，但是如果将这块抹布放置在强烈的光线下，此时这块抹布的亮度值会增加。经过实践证明，拍摄对象在不同的光线中，所呈现出来的亮度是不同的。究其原因在于由于主观光线与客观光线的影响，因此所拍摄的对象所呈现出来的结果是不相同的。在整个拍摄过程中，某一种因素都会影响着亮度值。因此拍摄对象的最终效果会受到亮度值的影响。
(二)摄影过程中，光线的季节变化
我们都知道，太阳的位置会随着时间的变化而变化。因此照射在
被拍摄物体上的光线也会随着太阳位置的变化而发生变化。由于角度的变化，此时被拍摄物体表面的阴影与质感会发生变化。通常情况下，最适宜的拍摄时间是从1o点到14点这一段时间;最合适的采光角度是被拍摄物体上方的4-5度左右。虽然有时候所用的测光是相同的，但是由于所选择的角度并不相同，因此所呈现出来的阴影却是不相同的。如果摄影师所采用的角度是高角度，那么所呈现出来的阴影较短;如果摄影师所采用的角度是低角度，那么所呈现出来的阴影较长。在拍摄过程中，摄影师要根据环境、季节、时间等因素来运用好光线。
(三)光线的软、硬区分
从光质的角度上来讲，可以将光线分为软光与硬光这两种。软光是指不会产生明显阴影的光线。比如:阴天时候的光线就是软光。由于光线并不能直射到物体上，因此阴影部分与受光部分会形成较小的反差，因此能见度较高的阴天往往是最佳的拍照时间。硬光是指没有云彩遮挡下太阳光，又或者是人造光。比如:照明灯等。在直线光线的照明下，阴影部分与受光部分会形成较大的反差，其中阴影部分较为浓重，受光部分却较为清晰，从而形成了反差较大的画面，并且画面的立体感也是非常强的。
(四)摄影大师世界里的光线变化
优秀的摄影师对光线的要求是非常高的，他们了解光线的特质，也了解光线对摄影作品起着非常重要的作用。在摄影作品中，摄影师往往会将光与影有机结合起来，从而可以形成良好的效果。有时候摄影师还会借助光影来调整环境的气氛，从而促使摄影作品更加具有表现力。光线赋子了摄影作品一定的生命力，与此同时也在摄影作品中营造了深远的意境。
三、光在拍摄中照明表现
光是可以被人的眼睛感受得到的，当前人们对可见光的定义比较模糊，通常情况下，可见光谱所包含的波长是从400纳米到700纳米之间的光，然而人的眼睛紧紧可以看到400纳米到700纳米之内的颜色。究其原因在于光是沿着直线传播的，因此在有阳光的自天或者有月亮的晚上，我们都可以看到自己的影子。如果没有光，那么自然也
就没有颜色。在灯光的照射下，人们所看到的青椒是绿色的。因此摄影师在拍摄过程中要把握好光，从而才可以达到令人们满意的视觉效果。
光线在还原物体时占据非常重要的位置。不管是从性能上来讲还是从色温上来讲，灯光与日光这两者存在着明显的差异。灯光、日光的色温分别为3200千瓦、5400千瓦，因此在灯光与日光的照射下，物体所呈现出的颜色是不同的。比如:在灯光下，红色将变为紫色;然而在日光下，红色将变为鲜红色，究其原因在于光源不同导致色泽的还原度也是不同的。因此光在摄影过程中起着至关重要的作用。如果在摄影过程中缺乏光，那么摄影作品是毫无艺术感可言的。
四、光影技术的应用
所谓艺术摄影是指通过用摄影技术，借助物体反光这一原理，利用好光与影，在二维平面上所构建出来的具有三维视觉效果的艺术作品。要想创造出具有艺术风格的作品，这就要充分结合光影技术。在二维平面中要将立体的视觉效果表现出来，此时要借助光影的对比来产生视觉差异。然而这种对比的强弱既可以将照片中的艺术特征表现出来，还可以突出照片中的线条。在艺术摄影作品中，摄影师要搭配好光影，从而借助艺术形象来获得大众的青睐，并且在构图过程中要区分开来人与物，从而给观看者一种视觉上的冲击。艺术摄影作品并不是简单的将作品拷贝下来，而是借助一定的技巧在作品中融入自身的感情。
观者对摄影作品的第一印象往往会受到照片的清晰度、照片的明暗度的影响。同时照片的清晰度、照片的明暗度还会对观者对整幅作品的感受产生一定的影响。如果摄影作品的光线较为清晰、明亮，那么此部作品往往会给人一种清新、开朗的感觉;如果摄影作品的光线较为暗淡，那么此部作品往往会给人一种失落、悲伤的感觉。比如:在拍摄美丽的自然风景时，摄影师往往会利用较为明亮的光线来将大自然的美景呈现在观者面前;在拍摄悠久的建筑物时，摄影师往往会利用较为暗淡的光线来将建筑物的沧桑感呈现在观者面前。通常摄影师通过调整光线的强与弱来改变照片中的明暗度。
五、摄影创作中光的艺术表现
摄影艺术的视觉形象是指借助光与影的变化来将真实的画面呈现出来。摄影师往往利用画面来表达自身的情感。从美学的角度来讲，审美意境体现了中国人的自我审美意识，然而艺术的实践经验告诉我们:不管是摄影还是绘画等都可以视为创造意境。在各个的艺术作品中，作者都会努力创设不同的意境，通过意境来将自身的情感表现出来。
六、如何在摄影中正确的运用光
光感材料要想在摄影中发挥的作用，此时要借助光源。在整个拍摄过程中，光线的作用不仅仅是为被拍摄体进行照明，其还具有传递被拍摄体信息的作用。因此在整个拍摄过程中，光线起着桥梁性的作用。例如:被拍摄物体的数量、空间、色彩等信息都要与光线相配合起来才能形成独特的艺术风格。所以在观察光线的时候，拍摄者既要从物体的表象来进行观察，又要从构思中来进行。在拍摄同样的一个物体，如果摄影师拍摄的角度不同，那么所拍摄出来的作品也是不同的。因此摄影师要掌握光的使用技巧，还要把握好拍摄过程中光与影之间的关系，从而可以拍摄出较为优秀的作品。在拍摄中，摄影师要巧妙运用光线，营造出唯美的意境。同时摄影师要认识光线，把握好光线的变化规律，以此达到良好的艺术效果。
总结
在拍摄过程中，摄影师要掌握光的使用技巧，还要把握好拍摄对象与光源之间的关系。同时摄影师要依据自身的艺术需求来对光源进行调整，以便于拍摄出摄影师较为满意的作品。在整个拍摄中，摄影师要掌握好光线，从而可以达到良好的艺术效果。
艺术摄影论文二：浅谈新形势下摄影艺术在电视新闻节目中的具体应用
电视新闻传播信息不同于报纸与广播新闻，它通过画面进行传播。运用新闻照片进行新闻信息的传达时，不仅要对光线、色彩以及影调等技术技巧进行很好的运用，而且还要对人物及事件与构图之间的关系处理好，让观众得到美的享受。电视新闻节目中的画面是摄影技术与摄影艺术的完美结合。
电视新闻节目中摄影技术分析
优秀的电视新闻摄像者具有敏捷的判断力，熟练的摄像技巧，能够抓住事物的本质特点。他们往往能抓住事物精彩的画面，运用声画并茂的电视画面打动观众。
1.1稳定镜头与移动镜头合理配合
摄影师要进行平稳适度的拍摄，变换镜头果断，画面的变换始终会保持在结构的中心位置，保持镜头的稳定。它能够使画面与人的视线的移动速度接近，符合人的视觉习惯。摄影师在进行固定拍摄的过程中，通过不断地移动镜头，并与画面情节保持一致，同时，切换的镜头也符合人的基本逻辑，使画面做到动静结合，将感情融人到创造的思维之中，让观众看到更具美的画面效果。
1.2合理构图并调整白平衡
摄影师通过一定的取景范围，进行合理的安排与组合，让观众感到美妙的形态，就是运用构图的技巧。首先，应做到立意明确，主题突出。摄影师必须处理好主体与陪体的关系，对光、色以及影调等造型元素进行配置，同时，要根据光源色温的变化而进行变化，对白平衡进行适当调整，使整个画面达到形式与内容的高度统一。其次，构图应使画面保持对称与平衡。通过一定构图方式，让观众感受到和谐对称的画面。第三，对画面的动静关系一定要掌握好。摄影师一定掌握住动静的结合，使画面具有和谐的美感。同时，摄影师在进行构图过程中，应使拍摄的内容与实际色彩相同。这就需要摄影师在不同的色温下进行拍摄时，对白平衡进行手动调节。
1.3抓准焦距，正确曝光
调整光圈一般有手动调整与自动调整两种。手动调整一般根据所要表现主体的亮度与影调进行曝光与创作;自动调整时，摄影师根据景物的亮度对光圈自动进行调整，让镜头的进光量得到控制，进而使灰度层次与彩色平衡达到统一。
同时，摄影师依据景物的亮度与景物的实际情况，对光亮进行适时的调节，进行正确的曝光。摄影师应掌握住对画面有重要影响的色调的变化，让画面具有一定的深度感，让观众得到较好的画面效果。
2电视新闻摄影艺术
摄影艺术是造型的语言，由光线、影调、线条以及色调共同构成。不仅具有直观与形象的画面，在没有语言文字的情况下也能够对信息进行传达。摄影师通过照相机与感光材料等工具，运用造型手段对主题与思想感情进行表达，创造出一定的艺术形象，以及具有艺术感染力的画面。
2.1选择正确的拍摄角度与取景范围，准确选择艺术形象
新闻中的摄影对新闻的内容有重要的影响。摄影师必须依据新闻的目的对景物进行拍摄。因此，摄影师应选取一定的角度，通过不同的拍摄方式，对取景范围进行确定，并依据内容所需对画面、场合以及光线进行景物的取舍。同时，新闻节目中的摄影与其他艺术有所不同。电视新闻中的摄影必须借助两度空间对形象进行塑造，使艺术形象具有一定的表现力。摄影师必须具有认真的观察力，依据新闻的内涵对典型形象的瞬间进行捕捉，同时，借用一定的想象力，对画面的语言进行丰富与美化，让观众能够产生共鸣。摄影师必须借助自己的生活知识与艺术修养挖掘自己的想象力，对新闻的素材、环境，以及摄影机的机位与角度进行充分考虑，运用镜头组接以及透视、光线与色调等手法与技巧，对画面的艺术性进行增强，并保证新闻的科学性。
2.2增强电视画面的层次效果，凸显画面真实性
摄影师必须通过对画面中不同景物的处理，对曝光的时间进行把握以及对画面的纵深程度进行把握，拍摄出具有层次效果的摄影。新闻摄影艺术得以表现的基础是真实，这也是新闻摄影的基本原则。新闻摄影师必须对自己辨别真伪的能力进行提高，运用不同的表现手段，对新闻传播的情感、张力以及冲击力得以实现，进而使新闻摄影的艺术感染力得到增强。
2.3创新时间的特效，注重画面抒情性语言
新闻摄影应体现一定的时间特效，通过时间形态的画面进行体现。通过准确的摄影，把人物的精神面貌，特定时间与环境下的情感传递给观众，进而引起观众的共鸣与心灵的震撼。
3电视新闻摄影技术与艺术的完美结合
电视新闻摄影的技术与艺术是相互融合的。只有具有了一定高度的摄影技术水平，才能拍摄出具有一定艺术的摄影作品。电视新闻摄影中的技术与艺术，是相互依托与相互促进的关系，也是对立统一的关系。
艺术摄影论文三：浅谈中西方当代艺术摄影观念的表现和流变
“艺术，与其说关乎方法和工艺，不如更关乎气质、品味和情感……在艺术家的手里，摄影变成了艺术……简而言之，摄影就是摄影师把它当成什么———一门艺术或是一桩生意。”在马克思主义美学中，清楚地阐明了“艺术”的内涵，即“艺术”就是美的东西，任何一件艺术作品都包含了内容美与形式美的统一。因此，简单概述一个事件或单纯复制一个场景的照片，最多只能算是依靠了照相机本身的机械仿真技术来拍摄出的文献资料，而那些只为追求拍摄出更高精度照片的摄影师们，更是不能冠上摄影家的名号。
一、20世纪中后期中西方的当代艺术摄影创作
1.在20世纪中后期社会文化语境下的中国当代艺术摄影创作摄影艺术家作为时代的个人，其摄影作品创作主题的审美理想和艺术追求必定会与他们所处的时代文化环境有着紧密的联系。20世纪中后期的中国正处于大力建设社会主义新中国的阶段，因此，大部分的摄影作品都是以颂扬新中国的诞生，赞美新社会的到来为主线的。其中主要的代表作有袁毅平先生的《东方红》。此外，因为郎静山先生的以表达虚静之心为主旨的水墨古画风格照片与当时西方开始崇尚的中国老庄哲学与孔孟儒学之风暗合，所以其成就较20世纪初期显得愈发夺目。袁毅平先生的《东方红》主题鲜明，他把天安门作为新中国的象征，用艳红的彩霞比喻新中国蒸蒸日上、灿烂辉煌的未来。如果说《东方红》昭示着中国人民从此站起来了的激情，那么《十月的螃蟹》则表现了“_”的灭亡，传达出作者对于““””中深受其迫害的国民们能够翻身了的喜悦。黄翔先生形象地把一幅普通的静物摄影赋予了特殊的灵魂，不仅展现出了逼真的生活，还把真挚的感情传染给了观看者。郎静山先生的著名代表作《紧紧跟随》巧妙地将摄影艺术与摄影技术交合在了一起。他运用了自己实验所创的“集锦摄影”法，将前期拍
摄的云、树、鹿等照片作为素材，利用后期暗房叠放技术，将这些影像再次拼凑成一幅无论是在构图还是在意境上都能符合中国水墨古画审美的照片。郎静山先生的这种做法虽然没有很好地把“摄影能全面真实地记录瞬间”这一重要特性呈现出来，但也达到了既抒发出了拍摄者的心绪又为国内的艺术摄影创作提供了一种新的创作技法的良好效果。
2.西方发达国家20世纪中后期带有强烈人文主张的艺术摄影创作在同一时期，发达国家的艺术摄影创作相较于我国，更加侧重于表现摄影师自身的人文主张。20世纪中期，西方发达国家受到摄影术广泛传播的影响，新型的媒介生产与传播技术发展迅猛，这就促使了当时的社会文化艺术生产方式发生改变，激发了艺术家们对于传统艺术创作观念的转型。譬如在日本传奇摄影师森山大道的影像中，我们感受到了他个人心理的感受抒发。而他对于颗粒效果的独特处理，也使其影像产生了一种不同凡响的视觉效果。在这些质感和形式感兼具的照片中，森山大道将一个孤独的个体在城市中的愤怒与压抑转化成了视觉影像的尖锐嘶吼。美国
20世纪中后期著名的艺术摄影大师杰利·尤斯曼，与中国艺术摄影家郎静山先生的摄影创作技法十分相似。凭借“成像后合成法”的技术，尤斯曼的摄影建立了一种强烈的剧场感，这些视觉元素与想象力共同制造出的幻境，逐渐演变成了观众内心的迷宫，隐义横生，每一次欣赏，都会令他们获得新的认识。
二、20世纪末以来中西方当代艺术摄影创作观念的转变
1.中国自20世纪末开始艺术摄影创作风格变得轻松化、高雅化20世纪末，中国社会进入了一个转型的过程，艺术摄影的创作风格也随之发生了相应的变化。因为新闻报道和社会纪实摄影采取了组照和文字解说相结合的形式，具有更强的叙事功能，也更适合实现教育的功用，所以主流的摄影作品开始向新闻报道和社会纪实摄影转移。于是，艺术摄影变得“轻松”起来，出现了不少幽默、调侃，甚至滑稽的作品。其中，尤为值得一提的是这时期的精英作品，或者说是高雅的艺术作品，在社会转型的这段时期达到了前所未有的高度。典型的代表人物有陈长芬、李少白、王苗等。
2.西方发达国家自20世纪末以来艺术摄影创作的目光向记录人类的生存环境转移20世纪末开始，随着世界全面进入后工业时代的信息化社会后，发达国家的艺术家们开始极力号召艺术的无国界化。这时的艺术家们不再与科学家对立，艺术家们承认了艺术的科技化，提出了“科学与艺术”的响亮口号，并得到了科学家们的积极响应。但是，在科技快速发展的背后，也带来了严重的环境问题。于是，一些有眼界的艺术摄影家开始把更多的目光投向了“人类的生存环境”这个重大课题。他们在承认传统文化，并且广泛接受现代物质文明的基础上将视觉用新的方式进行呈现，以能够更好地达到震撼人心的效果。美国艺术摄影师大卫·梅塞尔的《湖泊工程》系列(图9为《湖泊工程》系列照之二)，就向我们展示了一幕幕仿佛是另一个星球的美丽景象。而这样的照片也可以更深层次地让人们感觉到在这种景象背后，是一个多么令人震惊的环境被破坏的事实。同是反映人类生存环境，美国摄影大师桑迪·斯各格兰德则用了装置摄影的表现手法，采用前期布景与后期制作相结合的创作手段展现了自己所幻想出来的画面，旨在反映现代社会环境中。
3.现代数字摄影技术使艺术摄影创作观念变得更加自由20世纪末以来工业社会的迅速发展，直接引起了艺术摄影在创作观念上的转变。其中影响最为直接和广泛的，就是现代数字摄影技术的运用。显然，现代数字摄影技术使艺术摄影创作发生了革命性的变化。它在拍摄技术上跨越了影像记录的难关，解决了很多传统摄影工艺困扰已久的问题，令摄影摆脱了创作技术环节方面的阻碍，为摄影师能全面、全程控制整个摄影过程以获得符合自己观念的照片提供了史无前例的便利。
三、结语
总而言之，艺术摄影作品价值的高低不在于拍摄器材的好坏以及照片画幅的大小，它不是肤浅地体现在视觉上的，而是在从眼到心之间的灵犀传递，只有能描述出视觉的悸动及其承载下灵魂的共鸣的艺术摄影作品，才能永不褪色地停留在观众的心中。
新闻摄影论文（汇总8篇）
摄影作为一种艺术创作形式，是以图片形式来报道新闻事件，一张好的新闻摄影作品可以凝结千言万语，体现摄影者的思想深度，引发人们对新闻事件的深入思考，实现传播广泛的效果。本文整理了8篇专业的"新闻摄影论文范文";，供该专业人才参考。
新闻摄影论文（汇总8篇）之第一篇：解读读图时代语境下的新闻摄影传播态势
摘要：随着读图时代的发展，数字技术对新闻摄影的大众化传播起到的影响与作用愈加凸显，不同新媒介的产生，对新闻摄影传播来讲，机遇与挑战并存。读图时代语境下，图片的作用与影响已然具备与文字同等重要的地位与影响。处于激烈的市场环境中，图片的吸引力更加强大。处于读图时代语境下，新闻摄影需顺应时代发展，充分适应读图时代发展，并对新闻摄影的传统态势做出仔细充分解读，促进行业的良好发展。
关键词：新闻摄影,读图时代,新闻媒体
图片具备的属性直接决定其属于传播符号之一。其在新闻媒体时代发挥着十分关键的影响与作用,读图时代的发展,体现出图片价值发生的明显改变,对图片是文字附庸的地位做出彻底改变,并开始显现出主导的地位,图片逐渐承担着"看图说话";的关键地位与角色,基于此种语境下,新闻摄影同样需打破传统束缚,运用全新发展对策,实现长远稳定的良好发展。
一、新闻摄影在读图时代所扮演的角色
(一)新闻照片的独树一帜
随着网络媒体的快速变化发展,对纸质为主的媒体造成威胁,并带来挑战。若想在竞争市场获得一席之地,据对新闻图片予以充分重视。阅读阶段,版面是读者首先关注的内容,内容精彩固然是基础,不过版面的重要同样不可忽视。文字与图片结合的形势逐渐体现出其优势特点,图片具有直观、形象等特点,符合读者视觉与心理要求,并能够对反映出新闻真实性,提高新闻可读性。
(二)新闻照片美化版面
版面作为知识媒体的门面,使读者产生第一印象。因此,新闻招聘美化版面的作用十分重要。读图时代,新闻图片不但成为新闻传播的关键方式,也成为美化版面的重要方法。基于此,媒体也越来越重视新闻摄影的艺术性与新闻性。针对当前来讲,新闻图片在纸质媒体的地位愈加重要,同时,众多知名报刊逐渐认识到新闻图片的重要性。针对纸质媒体,新闻图片已然变成美化版面的关键方法,并对信息做出有效传递,从而增强传播效率。
(三)新闻照片调节读者口味
电视的出现,通过立体画面优势吸引众多纸质媒体读者,不过动态连续画面通常无法形成巨大冲击力。随着采编技术的快速提升发展,受众口味各不相同,存在明显差异,大量新闻图片呈现在荧屏之上。读图时代,编导通过对新闻图片资源做出重新整合,通过添加声音元素使得平面媒体与电视媒体资源形成互补与共享的局面,使受众收看节目的同时,对定格画面做出客观审视,并触及内心情感,从而在无形之中对读者口味做出有效调节。
二、读图时代背景下新闻摄影传播对策分析
(一)吸纳摄影爱好者加入新闻传播队伍
网络属于开放、自由的传播环境,针对网络传播,传播与受众并未划分明确界定,网络时代每个人能够在网络进行新闻图片的传播。数码产品的广泛使用,新闻摄影已经不具备神秘色彩,更多摄影爱好者成为新闻摄影人员。其作为新生力量,成为读图时代必不可少的重要角色。其在新闻图片传播通常注重实效性,能够及时对全球范围新闻事件进行传播,使传播范围得到有效拓展。与此同时,摄影爱好者多来自自由群体,平民化也使其能够以大众视角对新闻事件作出记录,使得新闻传播效果得到有效完善。因此,读图时代,吸纳摄影爱好者加入新闻传播队伍至关重要。
(二)将静止图像做精
摄影记者应时刻谨记,自身为记者,其次为摄影记者。摄影记者所具备的优势切勿基于相机为主的物理属性,而需基于形象语言表达特色方面。基于此,设计记者关键职责则为强化新闻图片图像语言的呈现与表达,抓住决定性时刻与瞬间。专业记者可以将瞬间静置图像做精并不是简单的事情,需摄影记者具备良好的新闻敏感性,善于对新闻事实的发现与捕捉,还需具备足够专业知识与思想认知以及专业摄影技术方可处于适宜的实际对精彩画面进行有效拍摄。
(三)重视"新闻视频";传播作用
随着"三网融合";发展方案的通过,三网融合逐渐成为可能与未来发展趋势。我国媒介融合逐渐迈入特殊发展时期。同时,媒体也基于融合为前提做出全新探索,新闻摄影在"新闻视频";领域的运用也成为电视媒体的全新实践,同时也成为顺应读图时代语境下受众的需求,从专业性相对较强的电视新闻节目到平民大众摄影,不论业余或专业,摄影爱好者均将摄影制作为视频,并在网络得到传播,使传统传播方式发生转变,使传播效果得到增强【2】。
(四)强化图片编辑能力
图片编辑是新闻摄影的关键,媒体图片处理水平的高低,直接关乎着图片编辑的优秀专业素养。图片编辑需具备丰富知识与文化功底以及优秀写作能力。图片编辑需基于政治与文化的角度,对图片做出宏观处理。同时,图片编辑还需了解摄影知识,以此了解新闻摄影的重要价值,了解新闻摄影创造点以及发展方向。还需具备优秀审美水平。优秀审美水平使图片编辑能够通过审美视角对图片与文字做出合理处理,并通过哲学思维对片面布局进行有效控制。读图时代语境下,强化图片编辑能力,以此增强新闻摄影传播效果。
三、结论
综上所述,读图时代语境下,新闻摄影的技巧性与专业性直接决定新闻图片质量,特色鲜明主体明确的新闻图片可以在读图时代产生十分强大的传播影响与作用。读图时代的发展,反映出传统文字新闻主体地位与影响逐渐减小,图文比重的当下,新闻摄影传播如何处于读图时代语境下充分体现出应有的作用与价值,成为值得深思熟虑的焦点问题。
参考文献
托娅.浅析新媒体时代下新闻摄影的发展策略.新闻研究导刊,2018,22(04):158-158.
【2】杨见.浅谈读图时代新闻摄影的价值.科技传播,2017,15(06):123-125.
新闻摄影论文（汇总8篇）之第二篇：论新媒体时代新闻摄影的价值导向
摘要：近些年，随着社会经济以及互联网行业的不断发展，传统媒体行业随着时代
进步也经历着重大的变革。新媒体时代的到来，更加丰富了人们的精神生活，而人们获取信息的渠道也从传统媒体如纸媒逐渐向互联网媒体转移。大众的阅读习惯和获取信息的方式发生了巨大变革，以前是看文字，现在的信息传播逐渐"快餐化";，往往通过图片更直观地呈现信息。可见，新闻摄影在新媒体时代已经变得更加大众化。在媒体行业发生巨大变革的情况下，本文通过简单分析新媒体时代新闻摄影的价值导向的有关问题，为新媒体时代的新闻摄影行业发展提出一些新的思路。
关键词：新媒体时代,新闻摄影,价值导向
新媒体行业蓬勃发展的同时，新闻摄影以其独特的魅力，作为新媒体中特定的传播符号对新闻报道起到举足轻重的作用。随着互联网行业以及科技的不断发展与进步，新闻摄影图片的价值也随之产生剧变。以前的新闻报道习惯是以文字为主，图片作为附属，如今新闻摄影图片已经占据了新闻报道的较大篇幅。从一定统计来看，已经初步超过文字占据主导地位。从我国新媒体行业来看，我国新闻摄影作品也在逐步发展。在媒体报道中，很多场景需要新闻摄影图片作为主要信息传播符号，新闻摄影作品的相关内容需要进一步探究，其价值导向也需要一定的发展构想来实现其价值，新闻摄影行业才能得到更广阔的发展空间。
一、新媒体时代新闻摄影作品的主要价值
社会经济的不断进步、科技的不断发展成就了一些新行业代替旧行业的机会。新媒体时代的新闻摄影作品独占鳌头，它存在的主要价值有以下几点：
（一）流量经济冲击媒体，新闻摄影作品能更多地吸引观众眼球
媒体行业本身就是靠流量经济存活的。远古时代的人们其实已经有流量经济的意识，当时在以物换物的时候，他们会在需要交换的货物上放上一定的装饰物，如插上鲜花或者干草，因为其与别的货物有差别而获得更多的关注，引起与之交换人员的注意，从而完成交易。因此，我们可以看出，人类对于广告的实行出于思考后的本能反应。【2】而随着人类对科技发明的投入不断加大，社会生产力水平随着科技进步不断发展。尤其在工业化之后，社会生产力水平获得了空前的提高。市场上产品急速增加，为了将产品销售出去，人们想出各式各样的办法招揽客户，早期通过传单进行宣传，传单上大多是产品图片以及搭配解释产品功能、产品广告词卖点等有关信息，让消费者通过图片更深入直观地了解产品，进而将产品销售出去。因此，从某种意义上来说，当时广告图片的盛行也为新媒体时代新闻摄影作品占据重要的地位奠定了基础。在纸媒时代，报纸头条往往是具有视觉冲击力的图片作为封面并用文字配合主题呈现，从视觉层面最大限度地刺激消费者购买该报纸。从人类感觉角度研究，视觉刺激是最重要的接收信息的感觉功能。要从新闻摄影的角度判别新闻摄影作品的质量，具体可从人们看到该新闻摄影作品后受到的刺激，进而产生的震撼或者共鸣加以判断。由于人们往往更加关注新闻摄影作品中最具特点的东西，经过新闻摄影作品加工后进行报道往往会有
很好的效果。同时，美好的事物总能引起别人的关注，大力弘扬真、善、美的事物具有积极的作用。因此，新闻摄影作品在传播真、善、美现象的同时应增加摄影技巧以及加强对拍摄瞬间的把握，让新闻作品更具穿透心灵的力量。新闻摄影者作为新闻摄影作品的原创人往往需要具备审视社会、观察生活的能力，在日常生活中发现新闻瞬间，用新闻摄影作品进一步扩大具有价值的瞬间的影响力。
（二）新闻摄影作品能够让所表达的信息更具体生动
与传统文字新闻相比，新闻摄影作品更有针对性。因为新闻摄影作品能在较短的时间内通过强烈的视觉冲击将想要表达的内容更好地呈现出来，其表达效果更好，可以基于一个吸睛点或者说是新闻点通过新闻摄影的方式定格在最精彩的瞬间，让读者在看到该新闻摄影作品的一瞬间被新闻摄影作品所表达的内容吸引，读者能够更形象、直观地了解新闻作品内容。然而，在传统的文字新闻中不仅要对新闻逸事通过通篇的文字进行描述，还要对文字进行合理的排版。因为新闻作者以及排版人员的主观思维极有可能将具有新闻点的文字通过主观思维进行筛选、过滤、删除，造成同一个新闻事件，传统的文字报道缺失最重要的部分，新闻的故事性、完整性被破坏，而新闻摄影作品却可以有效地弥补这样的短板。新闻摄影作品给新闻读者带来了更大的冲击，能更准确、详尽、直观地将新闻事件的精彩瞬间定格并传播。新闻摄影者需要培养主动抓取新闻事件的能力，需要从业人员具备灵敏的新闻嗅觉，通过手中的摄像机，应用各种拍摄技巧、拍摄角度将新闻现场的情况通过新闻摄影作品呈现出来。在拍摄瞬间，应主动拍摄与新闻事件主题相关的所有图片，从各个新闻角度、新闻背景出发，这对于新闻摄影工作者来说是个较大的考验。同时，在新闻摄影作品中应挑选具有新闻传播价值的作品。在这种价值观的导向下将新闻事件还原到具体生动的主题并能够从此类新闻作品中发掘事件本身深层次的内涵，并通过新闻广而告之的功能进行广泛、有效的传播。
二、新媒体时代新闻摄影价值导向的转变
传统新闻摄影作品在一般条件下仅以配图作为主要呈现方式，本身没有新闻价值导向。但是随着时代不断发展进步以及互联网的普及，人们的阅读习惯发生了变化，更倾向于读图识信息。因此，新闻摄影作品更具时代使命感，它在新媒体时代具有重要的意义。
如今，往往以新闻摄影作品为主、文字为辅进行新闻报道，这对媒体从业人员的文字功底提出了更高的要求，要用有限的文字抓住新闻摄影作品的重点。这需要相关工作者和摄影作品的原作者进行深层次的沟通，然后从策划到文字排版全部服务于新闻摄影图片。因此，新媒体时代的新闻摄影价值更高，也更富有时代使命感。新闻摄影作品在新闻宣传方面也具有重要作用，大家往往通过各种摄影技巧以及后期处理软件进行微型修图，以便让读者通过图片新闻更深刻、更直观地了解新闻现场的气氛。因此，新媒体时代对新闻媒体工作者也带来了巨大的考验。随着新的新闻传播方式的出现，载体也发生了巨大的变化，从业人员必须形成与时俱进的职业观念，而新闻作品也在价值导向上产生了巨大的变化，流量经济的迅速崛起让很多逐利的新闻工作者另辟蹊径，打着各种法律擦边球甚至触碰法律底线。所以，在新时代，新闻作品的价值导向必须符合社会发展趋势，大众也应该选择传播正能量的新闻媒体，这样也会倒逼新媒体行业主流价值成型。
三、结语
新媒体时代的到来让新闻摄影作品更具有创新价值，其因独特的吸睛能力变得更加重要，也让新闻媒体作品更加丰富多彩。与此同时，对于新闻摄影作品的价值导向，在包容创新的同时也不能因为追逐利益而突破底线。
参考文献
肖晓良.浅谈报网融合时代新闻摄影的价值.新闻知识，2015,5(8):87-88.
【2】张越.报纸新闻摄影权的"移交";、"市民新闻摄影";与"拍客";现象对报纸的影响.新闻知识，2014,3(5):96-97.
卫建波.新闻摄影的拍摄理念和现实意义.新闻爱好者，2012,6(13):65-66.
新闻摄影论文（汇总8篇）
第一篇：解读读图时代语境下的新闻摄影传播态势
第二篇：论新媒体时代新闻摄影的价值导向
第三篇：航拍新闻摄影的应用与发展研究
第四篇：浅析无人机对新闻摄影的影响
第五篇：新媒体环境下新闻摄影发展应对策略
第六篇：新闻摄影构图与视知觉关系研究
第七篇：提高新闻摄影图片质量的措施探究
第八篇：新闻摄影工作问题及应对策略研究
摄影艺术赏析论文范文2篇
摄影艺术赏析论文范文一：论建筑摄影的用光特点
一、光线的基本特性
摄影的最基本特征是瞬间性，它能把稍纵即逝的瞬间精确地表现在照片上，我们要充分利用好这种瞬间性，要用心观察建筑和建筑环境在各种光线照射下的微妙变化，捕捉精彩的瞬间，使照片中的建筑和建筑环境不但真实，而且优美。日出和日落时分是一天中天空色彩最具戏剧性变化的时刻，也是拍摄建筑逆光照的最佳时刻。在强光的烘托下，高低起伏的建筑轮廓线成了视觉的主要要素，而建筑的空间、质感、色彩统统都被隐没在阴影之中。
白昼，在侧向绚丽的阳光照耀下，建物显得明亮，反差大，色彩比强度低的光线照射下更加鲜艳，从而能突出建筑的的外部特征，把建筑的三维空间真实地传递给读者。在强光下拍摄建筑要特别注意光照角度的变化而形成的阴影效果，要利用那些简洁，形状鲜明而整齐的阴影作为画面的组成部分。
黄昏，所有景物都会沐浴在金黄色的光辉之中，画面有一种在白天无法得到的气氛。黄昏的阳光近乎水平且光线柔和，它不但能产生明显的阴影，增强建筑的立体感，还能显示出阴影部位的层次和材料表面的质感纹理。用这种低角度光线来表现建筑时要特别掌握好拍摄的时机，过早则画面的气氛会不够浓重，过晚
则要随时防止附近高楼大厦对阳光的突然遮挡而错失良机。
在拍摄现代城市建筑时还可以多留意一下玻璃幕墙对光的反射，也许会发现很多的创作机会。幕墙在不同的光照条件下色彩差异很大，黄昏时更是变幻莫测，拍摄时要善于观察，尽可能把幕墙上的金色、银色等反射光利用起来，表现这种光影给建筑带来的神采。
1、光度。光度就是光源的发光强度，发光的强度大我们就说光度强，反之，任何光源的强度都是从亮到暗，离光源近的地方光度强，离光源远的地方光度弱，光源的不同，其光度有很大的差别，同一光源在不同的天气条件下，也有不同的光度。光线的光度强时，被摄物体的影调表现为比较明亮、鲜明、反差较大，色彩鲜艳。光度弱时，被摄物体的影调与光度强时表现的情况恰恰相反，影调看起来比较暗淡，反差也小，色彩也不够鲜艳。
2、光质。光质指光线软硬的性质。光质可以是光源发出的直射光，我们把这种光叫光质硬或硬光质，例如不受云雾遮挡的日光，从聚光灯和闪光灯发出的直射人工光。硬光质的对比效果更明显，强烈耀眼，有助于表现受光面的细节及质感，反差大，能造成清晰突出的阴影。软光质是一种慢射性质的光，没有明确的方向性，在被摄物上不留明显的阴影，例如阴天的阳光，或者是从墙壁、天花板等其他物体表面反射出来的人工光，也可以是在直射光源强加上柔光器形成的散射光。
二、光线的方向
光线的方向和方位
光位是构成被摄对象一定造型效果的光线角度(包括水平角
和垂直角)。光位是在确定的拍摄方向条件下，围绕测量代用目标法对被摄对象作不同位置的照明变化，在摄影的光线处理中，按水平方向分为顺光，前侧光，侧光，侧逆光，逆光，顶光和角光，任何光位的确定都取决与机位的视点，视点的变化意味着光位的变化，意味着拍摄对象受光面积、方向等光线效果的变化。
1、顺光。称“正面光”，是对光线投射方向跟照相机光轴方向一致的照明光线，顺光时被射体受到均匀的照明，景物的阴影被自身遮挡，影调比较柔和，画面层次靠被摄体自身画面颜色和影调来传达，因此能够较好的表现被摄体的色彩属性，但处理不当会比较平淡。2、前侧光。前侧光是光线投射方向与照相机光轴方向成45度左右夹角的照明光线，在建筑摄影中，这种光线常用作主要的塑性光。前侧光形成较小面积的投影即可丰富画面的影调层次，又隐蔽了不不必要的杂乱部分。很好地表现出建筑物的立体感、表面质感、和轮廓，并能丰富画面的明暗层次，起到很好的造型、塑性作用。3、侧光。侧光是光线投射方向与照相机光轴方向成90度左右的夹角的照明光线，受侧光照明的物体，有明显的阴影面和投影，明暗对比鲜明、强烈、这种光线拍摄的照片富有戏剧性效果。4、侧逆光。侧逆光，光线的投射方向与摄影机的光轴方向大约成135度左右的夹角的照明光线，侧逆光照明的景物，大部分处在阴影之中，被摄建筑物的边缘往往有一条明亮的轮廓线，能较好的表现景物的轮廓形式和立体感。在拍摄建筑时，往往用这种光线表现大气的透视效果较为理想。5、逆光。逆光也称为“背面光”，是来自被摄体后面的照明光线，由于从背面照明，只能照亮被摄体的轮廓，所以又称为轮廓光，在逆光照明
的条件下，建筑物的大部分处在阴影之中，只有轮廓清晰可见，使建筑物区别与背景的天空，因此，这种光线适合拍摄建筑物的剪影效果。6、顶光。顶光是来自被摄体上方的光线照明。顶光包括顺顶光，顶光，逆顶光，，顺顶光和顶光的照明效果相似，没多大区别，逆顶光与逆光效果相似。在顶光下拍摄建筑物，建筑物的水平面亮度大于垂直面的亮度，亮度差距较大，缺乏中间层次，不宜表现建筑物的立体形态，会产生反常的、奇特的效果。
总之，户外建筑摄影的主光源是日光，它的光照角度、亮度、色彩都会随地点、季节、时间和气候条件的不同而变化，并能直接影响画面中建筑的影调和气氛，从而迅速地改变人们对建筑的感觉。能对光的特性有深层次的认识并善于利用它的变化来营造画面的影调和气氛是摄影家艺术才华中最重要的组成部分。理想的光线不但需要耐心等待，更要努力去发现并加以利用。平时要多注意观察阳光是如何使建筑充满生气，而又如何使建筑变得平淡乏味。摄影师要对气候条件可能对拍摄结果产生的影响有科学的预见，并在拍摄时能有良好的临场感觉。一幅能吸引读者的照片有时需要经过多次拍摄，反复比较后才能产生。
摄影艺术赏析论文范文二：摄影作品赏析论文
经过一个学期的学习后，我对摄影艺术有了更深入的了解，也懂得了其中的乐趣。我渐渐了解到了景深原理，知道该如何通过对快门和闪光的调节来得到想要的效果。接下来对摄影光影、色调、构图等知识的学习，通过生活中摄影时常出现的情况，让我初步了解了该如何选择合适的时间拍照，比如说正的强光下就不是很适合拍具体的物体，也懂得了要巧妙地运用相机的模式以
得到自己想要的色调的照片，比如可以通过阴天模式让朝霞更加红艳。之后对每一类摄影类别的介绍也让我对摄影有了更多的了解，在春天花开时节花卉摄影让我们能够在这个时节拍下美丽的校园花卉。人物摄影的艺术也是颇受关注的一个方面，其中有许多细节会影响到整个摄影作品的质量，比如女生适合柔光下拍照，而男生则最好用强光来体现男性的轮廓等等。
我最喜欢的还是风景摄影，他有许多值得注意的技巧，比如构图时首先就是要找一个吸引人的景物，放置景物时也要避免将景物居中，这也是初学者们常犯的错误，既然要避免居中，就要知道所谓的“三分法则”
(ruleofthethirds)，也称“黄金分割”，“九格宫”。。。
“三分法则”是构图的基本的规则，意思是：把画面按水平方向在1/3，2/3位置画两条水平线，按垂直方向在1/3，2/3位置画两条垂直线，然后把景物尽量放在交点的位置上，另外照片是两维的，要在两维的照片里表达出三维不是一件容易的事情。我们的大脑告诉我们：大的物体是比较近的，小的物体是比较远的，所以，通过物体大小在照片里的对比，就可以让人感觉出出距离。
在摄影的世界里，长焦拍摄效果是把景物?压缩?在一起，而广角的效果则是缩小了远处的景物，让人产生距离感。所以，在这种场合，我们一般使用广角镜头。另外光对于摄影的重要性，不言而喻。在风景摄影中，有了光的照射，画面才会产生明暗层次、线条和色调。拍摄风光，主要是以太阳光作为光源。太阳的位置不同，照射在景物上能产生的效果也不同。
侧光在风光摄影中是用得较多的一种形式。尤其是45°角的前侧光，不仅能够使景物具有一定的明暗反差，增强景物的立体感和画面影纹层次，同时，对画面色彩的还原也比较理想。而90°角的侧光，能够使景物的明暗各占一半，画面的明暗反差和立体感非常明显。尤其是在表现建筑物等表面不平整的物体时，效果更为突出。摄影者在利用侧光拍摄时，要注意尽量对画面的明亮处进行测光，避免造成画面局部曝光过度。在风景摄影中，用顺光拍摄景物，能够给人明亮、清朗的感觉。但是，顺光照射景物过于平正、明暗之分不明显，这往往会使景物主体与背景的色调融合，画面缺乏立体感。但是顺光的利用对于初学者来说比较简单，摄影者只要使用相机的评价测光模式，基本上就可以拍摄出令人满意的照片。逆光是风光摄影中最有个性的光线。逆光是指阳光从相机的对面照射过来，景物被光线照射的部分都会产生光亮的轮廓，主体与背景得以明显的分开。逆光最适合表现前后层次较多的景物，在每一景物背后都勾勒出一条条精美的轮廓光，使前后景物之间产生较强烈的空间距离感和良好的透视效果。散射光一般是指在阴天等太阳光线被薄云层遮挡时所散发的光线。在这种光线下拍摄，被摄体没有明暗的线条界线，也不会产生阴影，而只能表现出平淡的物体影像和阴沉的气氛。因此，当摄影者处于阴天的散射光情况下，需要尽可能缩小景物范围，采取较近距离的中景或局部场面进行拍摄，才可能获得比较清晰的效果。同时根据实际情况的需要，采用较大的光圈或者增加一定的曝光补偿量，可以避免阴天光线引起的曝光不足。
风景摄影的学问有很多，前辈的指导再加上实践才能慢慢领悟，其他类型的摄影也是在拍摄过程中不断的摸索技巧，要掌握
摄影的艺术也是一个漫长而又有趣的旅途。
浅谈摄影相关论文范文摄影艺术论文
这是研究“怎么讲”的问题。
有了好的、最新的摄影知识内容，如何将它们变成可视、可听、可读、可析的对象，并通过老师的语言将各个知识点让大学生记住并掌握呢?这是另一个困惑老师的地方。笔者认为只有发挥情感的功能，细心讲解，方可解之。情感在讲课中的功能主要有如下四个：一是动力功能，即老师积极的情感能引起大学生的兴奋、激动、愉快的情智体验，使学生们充满活力，积极投身于自己感兴趣的各种课堂活动。
因此，老师上课的每一段话，都要有感情色彩，都要努力从心灵深处自然流露，当然，这首先要求老师热爱学生、热爱教育事业，这样的话，大学生们就会在老师情感的动力驱动下，精神愉悦地学习，并转化为利于教学的行动。二是感染功能，即个人的情感对他人的情感具有施加影响的作用，也就是说老师的情感能感应大学生，使大学生们具有类似的情感，这表现在很多方面，如关怀、照顾、信任为主的温情式感染，以激发比、学、赶、超为主的示范式感染等。老师的关爱和信任会给学生以强烈的感染。三是调节功能，即人的情感对人的思想和行为具有调节作用。
这一点反映在师生关系上特别明显。和谐的师生关系以师生的积极情感为基础，能够激发师生的热情和智慧，唤起师生的责任感和积极性。因此，老师要热爱学生并尊重学生，及时与学生沟通，同时要情随境迁，善解人意，努力营造师生交流的和谐氛围。如给学生一种认真倾听的表情、一个信任鼓励的眼神、一种朋友商量的口吻、一封探讨问题的E-Mail等等，都会取得极好的效果。笔者认为在课堂上，师生要零距离接触，要有伙伴式交流，这有利于张扬学生个性，放飞学生思绪，使学生真正成为课堂的主人、问题的主人、学习的主人。四是迁移功能，即个人对他人的情感会迁移到与他人有关的事物。
当代大学生情感丰富，而且好激动、善迁移，他们的认识活动，常常靠情感的体验，经常因喜欢听老师的某门专业课而喜欢上这个专业，进而献身于这个事业。老师一定要以正面形象吸引和感染学生，教师对摄影艺术的执著和热爱，种种无言的、不求功利回报的关爱，对学生无疑具有强烈的亲和力和凝聚力。“其身正，不令而行;其身不正，虽令不从”。我们老师只有做一个有德有识之士，才能使大学生实现积极的情感迁移，“爱屋及乌”，从而“亲其师而信其道”。
三、用心设问，方法要“活”
这是研究“谁来讲”的问题。
一是课堂互动、连环问答。“知识是前提，表达是关键”。
摄影课上用音乐做补充，老师有意识地在师生互动讲课，指导学生课上思考、观察、讨论、写感受时，运用精选的与摄影作品相协调的、与课堂氛围相一致的音乐来“讲课”，定会取得非常好的效果。这一方法能充分调动学生动眼、动耳、动手、动脑、动心，从而实现教学目的。大学生喜欢这种氛围，在这种氛围中，他们更容易接受老师提供的知识。
二是让成为学生的又一老师。每节课都留下一个实践项目，精心设计一个创作主题，请同学课后做一下，下一次课时，请同学上台讲一讲实践经历。鼓励每一个同学站起来说话，表达自己的看法，从而引发大学生的学习兴趣和保持学习的注意力。有的教师可能会有这样的困惑：引发了学生的主动性，学习没有结果怎么办?其实，激发了同学的学习兴趣和使其掌握了正确的学习方法，这不就是结果吗?这种没结果的结果倒是最重要的。在经历了一个教育过程之后，无论结果是否达到，实际上这个过程本身就是结果，是无形而珍贵的结果。什么是素质?这个结果就叫素质。在很多情况下，教育的结果还没出现，但过程已经存在，在此过程中，大学生的思维方式和学习主动性发生了变化，这个变化就是素质的变化，这理应
是我们教育追求的目标。同学回答问题的对与错并不重要，重要的是他敢于发表意见。学生做事有没有结果，这也不重要，他做事的过程已经很重要了。因为在这种过程中，实践在给大学生们“上课”。诚如江汉大学人文学院女生汪洋所言：“与其说摄影课是一门课，还不如说它是一面镜子，让我们学会从生活中、从实践中审视自己，审视自己的生活状态，从中得到人生的启迪和哲理。”
综上所述，高校摄影课教师在授课时，认真做到三个字：新、情、活，细心解决好讲什么、怎么讲、谁来讲的问题，一定会受到大学生们的热烈欢迎，同时也会收到良好的教学效果。
摘
要：在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。
关键词：对称与均衡
主次关系
黄金分割
画面空白
一、构图的意义
构图在传统画论中称之为“章法”、“布局”、“经营位置”等。是指根据画面的需要，安排形象，体现作品的整体效果。构图作为摄影的第一步，因其创作手法的特殊性，决定了它的复杂性和丰富性。事实上，任何艺术形式都有其固有的形式规律，只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。虽然摄影构图的形式规律不是死的，但了解这些形式规律可以避免一些初级的错误;掌握和运用这些形式规律，对塑造艺术形象、揭示主题思想则是一条捷径。
在设计摄影画面的构图时，最重要的一点就是构图的均衡美。在日常生活中，每个人可能都有过以下的体会：一把椅子倾斜了就会让人产生不稳定的感觉。而大多庄重、尊严的东西又是很对称的，比如古代宫殿门口的石狮子，它是成双存在的，给人以对称的美感。因此，摄影作品的画面均衡，在构图时十分重要。
对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏，在摄影作品中对称的画面也时常可见，但大多数摄影作品，在构图中并不追求一半对一半的对称，而是刻意于画面的视觉均衡。
摄影画面布局的均衡，是人们运用视觉和心理上的习惯，对画面内全部可视形象所处的部位，进行稳定与否的一种衡量。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止、拘谨、单调的感觉，生活中人们对审美的要求仍然以追求均衡居多。过多的运用对称会使人感到呆板，缺乏活力。而均衡则是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。均衡的范围包括构图中形象的对比：人与人，人与物，大与小，动与静，明与暗，高与低，虚与实等等。
对摄影者来说，布局的均衡是结构理想的结果，因而处理均衡的问题，也就是处理画面结构的问题。作为摄影画面的两大组成部分，主体与陪体是表达思想内容的主要对象和辅助对象。所以在处理画面布局均衡的时候，首先要考虑的就是它们之间的呼应关系，这其中包括两者在情节上、情绪上以及动态、动势方面的呼应关系。
三、构图中的主次关系
根据主题思想要求，选择有价值的景和物，组成摄影画面。在这个画面中最能体现主题的对象，就是主体。而在画面中，那些不是最直接体现主题思想，仅对主体起到一定程度的烘托、陪衬，帮
助主体说明主题思想的对象，习惯上称为陪体或周围环境。在摄影画面中要妥当的安排和处理好主次关系，避免出现零乱、主次不分，淹没或失掉主体，而造成没有主题的现象。
在设计画面时要注意主体和陪体的关系，一幅照片如果只有主体而无陪衬，画面就会显得呆板而无变化，但陪体不能喧宾夺主;主体在画面上必须显著突出，要弃繁就简，必要时可改变拍摄位置和角度，或是搬动不必要的东西，以达到画面简洁，突出主体的效果。在照片画面的主次关系上可以掌握以下两点：第一，如果遇到杂乱的背景，可以采取放大光圈的办法，让后面的背景模糊不清，以突出主体。第二，选择适宜的角度进行拍摄，避开杂乱的背景，以使人物的形象突出。
第四、构图中“黄金分割”的运用
初学摄影者最容易犯的错误，就是把最吸引人的景物放在正中间。的确，在正中间的景物是最容易吸引人的注意力的。但是，将吸引人的物体放在正中间，很容易只让人专注在那个物体上，而令画面变得呆板。
既然要避免居中，就要知道所谓的“黄金分割”，也就是“黄金比例”，将之运用于美术和摄影的构图中往往以5：8的比率来表
示。另外，九宫格构图(也称井字构图)，实际上也属于黄金分割的一种形式。就是把画面按水平方向在1/3，2/3位置画两条水平线，按垂直方向在1/3，2/3位置画两条垂直线，然后把主体尽量放在交点的位置上。实际上这几个交点都符合“黄金分割定律”，是最佳的位置，当然还应考虑平衡、对比等因素。这种构图能呈现变化与动感，画面富有活力。这四个点也有不同的视觉感应，上方两点动感就比下方的强，左面又比右面强。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。
摄影构图中的空白，既有因景物本身，如：烟、云、雾、天、水、空隙所制;又有因为光与色的艺术处理所制。实体与空白的相互衬托，形成有规律的起伏节奏，产生一定的的韵律感，是摄影艺术在处理画面构图虚实关系中，广为运用的手段之一。
虚实关系在摄影画面中比较容易看出，也比较容易分辨。但在具体处理的时候，却要注意实体与空白的关系，使画面有变化、不呆板。空白常常可以刻画意境、渲染气氛，在画面中运用得当，会在构图的形式上添加积极的作用。空白还有在视觉上和心理上造成动势的功能，在运动和所注视的方向要留有一定的空白，可以给人们留下伸张的空间，造成一定的方向性，有助于加强运动的空间
感。所以才有“大抵实处之妙，皆因虚处而生”之说，足见空白在构图中的重要性。
同绘画一样，摄影也是一种艺术手法，线条的明快以及画面的和谐是关键，好的构图不仅让人感觉主题明确，而且会给人以视觉和心理上的冲击。所以，摄影水平的提高，必须从构图这个环节入手。当然，构图形式也不是绝对的，它只能提供对摄影表现形式的帮助与参考。有句话说得好：规则是用来打破的。所有的规则都不是死的，吸收前人的经验对摄影的形式表现将产生积极的作用，会有利于对形式美的理解。
目前的国内各大高校在摄影系、广播电视编导系、广播电视系的本科学习阶段几乎均开设了影视摄影课，将其作为一门专业基础必修课程。笔者所在的摄影系影视摄影方向在一二年级，分别开设了《摄像技术基础》和《影视摄影造型》课。影视摄影这门课程具有很强的理论性和实践性，如何更好的进行实践教学是教师要思考和解决的重要课题。
一、合理实用的实践教学改革理念
摄影系的学生在一二年级要学习好几门以实践为主的专业基础课，在学习《影视摄影造型》课之前，先修完《摄像技术基础》。
应该说是《摄像技术基础》侧重基础知识和技术的学习与训练，而《影视摄影造型》更注重培养学生的艺术感觉，创新思维和画面造型能力。同时，摄影系的学生还要开设其他相关课程，作为有益补充。笔者在讲授影视摄影课程的过程中，根据学科特点和性质，秉承“理论和实践并举，更重实践”的理念。这样做是为了改进以往影视摄影课过多的依赖课堂理论讲授，教师大多是采用上单一的填鸭式理论灌输，而疏于实践技能培养的弊端。通常根据教学大纲的制定，将理论课和实践课的课时数量设置在1：2的比例左右，教学环节按照“理论―实践―理论―实践”的节奏推进。即每次课堂理论教学的落脚点最终是指导学生实践练习和操作，将上一阶段所学到的理论知识充分转化为实践能力，提升学生的实践技能和水平。然后再进行下一阶段的“理论课―实践课”学习。如在《摄像技术基础》课上，教师讲授完数字高清摄像机的基本基本原理和曝光控制白平衡调节等理论知识后，便在下一阶段课时中安排进行实践课部分，教师将学生分小组，讲解并示范摄像机的曝光与白平衡控制的操作步骤，然后指导学生分组逐个练习。在课堂上对学生出现的操作环节错误，教师及时指出并予以纠正。待此部分实践内容学生基本掌握后，再进行下一环节的“理论――实践”教学。
影视摄影作为一门学科，具有很强的理论性和实践性，同时又是融技术性和艺术性于一体的学科。在实践创作中，一名影视摄影师艺术创意的体现有赖于扎实的技术素养和水平。而检验一个学生理论知识扎实与否的落脚点，就是看他的实践能力如何。因此，如何上好实践课以提升学生的专业实践能力，是影视摄影专业任课教师面临的重要问题。笔者根据数年的教学经历和改革尝试，通常在理论教学时采用全班集体授课方式。而在实践课环节，采用分小组示范讲解，学生分小组练习实践的小班化学习方式。考虑到现在的每个自然班学生人数较多，而实验器材相对有限的现实状况，教师每次指导学生分小组时将组员人数控制在6人左右。每个小组成员人数不宜过多的目的，就在于确保每个学生在实践课上都有足够的时间量来练习操作。无论是课堂实践练习，还是课下的实践作业以及期末结课作业，学生都以这个相对固定的小组完成实践拍摄。
1、利用多媒体技术，提升教学效果
在实践课上，教师利用多媒体影像技术手段，结合优秀的影视作品案例，对学生在实践过程中出现的普遍性和个别性错误进行对比和指导。教师可以选取摄影画面优秀的影视作品片段，对比学生实践作业中出现的问题进行分析、讲解和指导。例如学生在练习使用摄像机拍摄固定机位不同景别画面的实践内容时，初学者普遍存在的问题就是景别取景不规范，镜头与镜头之间景别运用不合理或
景别过于单一等问题。这时任课教师利用多媒体为学生播放一些优秀影视作品中景别运用规范的镜头片段，然后来对比学生学生实践作业中普遍出现的错误案例，帮助学生分析问题所在并寻找解决办法。
在这个环节，教师避免局限于单方面的讲授知识和技法，而是采用引导学生对比自己的练习作业进行思考，检查，分组讨论，分析问题，积极调动学生的积极性，营造活跃互动的课堂氛围。这样，学生会在积极思考热情参与的状态下，更好的将专业理论和实践相结合，从而提高自身的实践水平。此外在课堂练习中，现使用的数字高清摄像机普遍具有USB串行接口，学生可以直接将拍摄练习的作业素材拷贝至教室内的多媒体电脑中。教师现场对学生拍完的练习素材进行回放，讲解。这样可以确保在实践课堂第一时间内就发现学生存在的问题。教师及时给学生指出问题症状，并和学生一起讨论解决办法。
2、根据学生特点，帮助学生制定拍摄主题和计划
影视摄影的实践需要学生调动自己多方面的能力，是一个“脑眼手”综合运用的过程。它需要摄影师用眼睛细致观察，大脑积极思考，最后由手(和身体)来掌控摄像机来完成操作和拍摄。因此影视摄影的实践创作考验的是一个人的综合协调能力。在分组拍摄
中，它还考验着学生团队协作和沟通的能力。教师会根据自然班的学生数量、结构和特点，指导他们合理分组搭配，制定合理的拍摄进度安排，时间周期控制。有拍摄采访对象的，教师会指导学生如何与拍摄对象沟通(尽管如何采访不是影视摄影课的重点)。甚至在拍摄时长较长的期末结课作业时，教师要讲授一些制片管理方面的知识，对于拍摄过程中有可能出现的一些制片方面的困难，提醒学生提前做好备选方案和计划。对于大幅度更改实践作业拍摄计划和方案的，指导学生调动现有资源和条件，尽可能拍摄出更好的影像效果。
3、扩展实践教学空间，紧跟行业发展趋势
影视摄影这门学科有一个显著特点，就是随着科学技术的发展，新的创作设备和拍摄理念层出不穷，更新换代的速度极快。例如笔者刚从事教学工作时，当时行业内领先的是数字全高清技术。几年的时间，现今行业内的发展趋势是4K技术，数字电影摄影创作，log模式拍摄甚至是未来VR技术的使用。这一切都意味着无论是专业教师、学生还是从业者，要想从事影视摄影这项职业，就必须要保持对新鲜事物的好奇心，保持一个不断学习新知识的状态。也只有这样，我们培养的学生才会在未来的专业发展道路中越走越宽，不被行业淘汰。基于此，教师积极利用互联网上的相关专业知识和信息资源，结合课堂实践内容。为学生拓宽知识面。例如在介
绍行业领先的RED和ARRI数字电影摄影机的知识，市面上常见的纸质教材和资料鲜有这方面内容。
教师搜索专业的技术网站，寻找适当的资料截取成视频影像，做成图片PPT和文字介绍，选取业内专家对此摄影机性能指标的介绍和使用注意事项，所有这些都可以作为实践教学的补充。不但激发了学生的学习兴趣和热情，更是将影视摄影行业内先进的知识和理念带给学生，让他们及时掌握专业发展趋势和动态。此外，专业的影视摄影交流网站和信息___也是教师指导学生拓宽知识面的好渠道。专业性比较强的影视工业网、拍电影网、V电影网，微信电影摄影师___，摄像人___等等，经常会有业内人士发表的技术文章和创作心得，教师会经常选取有用信息介绍给学生。这些网站一般还设有作品交流专区，学生可以将自己拍摄的作品放到这个板块内进行交流，听取更多业内人士___。这样，学生获取专业知识和实践经验的领域不仅仅局限在课堂和校园，他们有更多的可能接受更前沿的专业讯息，提升自己的实践水平。
三、实践作业点评
1、学生实践作品课堂展示
每次的实践作业后和期末结课作业之后，教师会安排每个小组将自己的作品用多媒体在课堂上公开展示，教师现场进行点评。这也是影视摄影课实践教学中不可或缺的重要组成部分。在课堂展示
的过程中，小组成员会阐释自己的创作思路及理念，讲述拍摄过程中遇到的难题和解决办法，以及尚未解决的技术和艺术问题等等。教师如此安排是为了深入了解学生的实践创作过程。学生实践创作的过程，是检验他们对理论知识掌握程度的具体和真实体现。反映在学生作品中的一些问题，有些是大家普遍存在的，有些则是每个小组甚至每个学生的个别存在的。每个小组的学生在展示并介绍自己实践作业拍摄经历时，其他同学也会反观自身作品中存在的问题。好的实践经验可以得到印证并分享，存在的问题就需要由教师引导学生思考。必要时候教师可以明确指出，以帮助学生提高专业水平，在下一次的拍摄中取得进步。
2、保护并激发学生的创作热情
教师点评作业，是为了查找学生在实践过程和成片中存在的问题，但方式和态度应尽量以鼓励为主。针对专业问题，教师帮助学生分析产生的原因，提出具体可行的改进方案和方法。例如学生在实践作业中无法实现背景虚化主体突出的视觉效果，教师启发学生思考是否合理运用了控制景深的三个要素?现场拍摄时又是如何操作的?操作环节里哪些细节问题需要注意?对学生作业中的亮点和可取之处，教师应充分给予肯定。对于理论知识掌握较好，而实践动手能力稍逊色的学生，教师要更加耐心，进行启发和疏导，注意保护并激发他们的实践兴趣和热情。一旦学生打开思路，可以将理论知
识和实践过程较好的融合，他会找到创作的“感觉”，创作兴趣和热情也就会涌现。对于期末结课规模较大的作业，教师会根据实际情况，针对一些特别有想法的学生进行个性化指导。通过详细的专业沟通，教师可以帮助学生发现自身在实践中的兴趣点和特长，以便更好的帮助学生完成拍摄。
以上就是这篇范文的详细内容，涉及到学生、摄影师、画面,问题、老师、拍摄等方面，。
模板,内容仅供参考
,实践,教
摄影艺术的论文
当代的摄影艺术领域已被各种光怪陆离的视像所包围,各种媒介中充斥着各式的机械复制的视觉影像,海量的图片,广告,电影,3D图片,虚拟电影……下面是店铺整理的一些关于摄影艺术的论文，供大家参阅。
关于摄影艺术的论文一：新科技在摄影艺术领域的运用
摘要:进入21世纪以来,科学技术的发展以几何速度在增长,短短几十年的历史变革通常是之前需要几个世纪才能成的。这种增长速度超出人们的预期,同时科学技术的发展渗入到社会的各个层面,作为社会上层结构的摄影艺术领域必然是首当其冲。本文主要分析新科技在摄影艺术领域的运用。
关键词:科技;摄影艺术;影响
一、前言
当代的摄影艺术领域已被各种光怪陆离的视像所包围,各种媒介中充斥着各式的机械复制的视觉影像,海量的图片,广告,电影,3D图片,虚拟电影……人们可以不会用笔墨来写字,但绝对不可以不会读图。影像艺术已由单一的绘画形式过度到摄影,动态摄影,多媒体合成及计算机虚拟。同时,各种由科学技术的演进而形成的表现的多样性又让我们观看影像,消费影像的方式有了很大的变化。影像由它的本能作用一记录,演进为揭示一揭露一思考。摄影艺术不再是现实的描摹,它的视线探入了多维的角度,灵魂的幽微,隐秘的暴露,极度的体验,幻象的呈现,梦境的回归,影像的语言编制了一个未知世界的伊甸园。
二、艺术视野中多元演化的当代科技摄影
摄影本身其实就是科学过程的结果,无论胶片银盐还是数字成像。新科技的发展,使得影像可以在拍摄之后无需花钱冲洗即可及时显示,自动调焦和自动测光等技术使得人们从大量的技术细节中解放出来,从而可以更加关注于摄影本身,从这个角度说,科技手段促进了摄影这种艺术形式的发展。而科技与摄影之间实际上还存在着更多交融的区域,则为影像的产生带来了多元化的介质,同时也导致新型影像形态的出现。科技手段对摄影的影响是无所不至而客灵活多变的,影像在其产生过程中
的每一个环节都有可能随着相关科技手段的改进而发生革命性的变化,从而导致新影像语言的产生。科技手段上的变化将能够为影像的表现提供新颖的形式,同时也会为摄影提供全新的题材和内容。
传统的摄影技术中,银盐成像以及染料的应用无一不是化学的过程,而新兴的数字摄影则彩CCD或CMOS的光电效应来感应光线中基色光(如红绿蓝)的强度,Foven、SONY、柯达等公司一直在致力于新型影像传感器的开发,推动着数字摄影技术的不断进步。与此同时,一些人放眼被摄影忽略已久的生物材料,科学家ChrisVoigt使用细菌、科学家
JoeDavis使用DNA分子,艺术家HeathetAcroyd以及
DanHarvey则使用绿草来作为感光材料,他们分别获得了别具一格的照片。
传统的摄影中,光线的感光材料是形成影像的两个基本要素,而可见光则是最早用于摄影的光线,而不可见部分的紫外线则由于能量较高而往往用于照相法生产电子线路,而红外线往往被用于弱光甚至黑暗环境下的拍摄,专门设计的红外胶卷则能够产生强烈夸张的色彩表现。不同波长的光“看到”的不同影像。随光线波长的变短能量变大,在从红外到可见到紫外,乃至能量更高的X射线,Y射线等。高能的射线能够轻易穿透物体的表面,例如,在NickVeasey的射线影像中,隐藏在物体内部的结构清晰地呈现出来。
1、温度场影像。
红外线是与物体温度直接相关的光线,但是在传统的红外摄影中,红外线的作用仅仅是使感光材料发生化学变化。艺术家TedKinsman采用红外成像技术拍摄下了大象的温度场分布,温度高的区域显示为红色,而温度低的背景区域则是蓝色,而在传统的红外摄影中,色彩与物体的绝对温度没有直接的联系。
2、射线成像。
射线(X射线,Y射线等电磁辐射和其他粒子)成像是利用射线束通过被测对象(例如不同形状的工件,人体的器官等)投影在探测器的陈列上,通过电子技术读出和计算机数据采集的分析系统,使被测对象的内部结构的图像重现在计算机屏幕上的一项综合性高新技术,它是建立在多学科交叉和渗透基础土的一个新的学科生长点,己广泛应用于生命科学、医学、材料科学、工业、国防、交通、安检等领域。
尼克?维尔赛(NickVeasey)采用设计用于安检和侦察的X光成像系统来创作艺术作品,在他的作品中,看不见的东西清楚地展现在我们面前,提示了内部元素和辛勤劳作,隐藏在物体内部的东西变得清晰可见。
3、细菌及ONA分子感光形成照片。
加利福尼亚大学的ChrisVoigt及其团队何用经过基因改造的大肠杆菌,开发出了生物光传感器。这种装置拍摄的图像虽然需要四个多小时才能形成,只有单色;不过细菌极小的尺寸却可以获得极高的分辨率,大约是每平英寸100兆像索——相当一于如今最高分辩的十倍。
这种“活相机”是利用经过基因改造的细菌,当光线照射到这种细菌体内的基因时,一种化学物会变暗。Voigt研制光传感器的办法是,加入海藻基因,通过编码把感光蛋白质编入大肠杆菌中,而大肠杆菌的DNA很容易操纵。光激活蛋自质后,色素会变暗。如果把足够数量的细菌聚在一起,溶液就会变黑,就能得到类似照片的图像。于是黑白图形成就被“印”在培养皿中。
JoeDanvis则使用特殊的DNA分子作为感光乳剂,受到光线照射到部分会发生变性从而实现对影像的记录。
三、高速摄影与低速摄影的魅力
1、高速摄影:高速同步闪光摄影
高速摄影主要有几种手段:一是借助高速摄影机,其优点是明显的,缺点是价格太高。麻省理工学院的HaroldEdgorton教授发明的高速同步闪光摄影技术已经广泛应用于各种转瞬即逝画面的记录,这种手段往往借助传感器触发相机快门,使普通相机以较高的快门时间对精彩画面进行记录,如波特兰的艺术家MartinWaugh以及美国科罗拉多大学的JohnHart教授等人都采用这种手段对液滴的形态进行拍摄,将溅起的水花记录成为永恒的精彩。然而这些技术仍然只适合于对小型画面的高速记录,面对赛车道上依次飞驰而过的几十辆赛车,如何记录?摄影师RickGraves对此提出了一个别具一格的解决方案:他利用一个高速马达和一个带有狭缝的金属盘子对相机进行改造,马达的速度和赛道上飞奔的赛车速度关联,从而使得赛车在胶片上形成的影像与胶片的卷动速
度同步起来。当赛车经过时,照相机每次拍摄下赛道上一英尺宽的一条图像,连拍后的照片通过Photoshop缝合起来,形成完整的图片从而将一系列高速行驶的赛车凝固在一个长条图片上。而慢速快门则可获取别具趣味的影像。
2、液体雕塑
波特兰的艺术家MartinWaugh以及美国科罗拉多大学的JohnHart教授等人都来用调整摄影的手段对液滴的形态进行拍摄,将溅起的水花记录成为永恒的精彩。
3、慢速摄影:光绘影像
手持发光器在黑暗的夜空挥舞,通过小光圈和长时间的曝光,将光迹走过的路径记录成为透亮的线形彩带。
4、慢速摄影:摆锤运动的慢速摄影
摆锤下跌的时候,其幅度受到因空气摩擦的影响而发生变化,慢速摄影可以致使椭圆形轨道的轴线不断偏移。由于运动的幅度与摆锤的尺度相关,摆锤完成一个往返的周期往往也会增加(非谐振)。由于大轴椭圆形的振幅比短轴的大,主轴和副轴的周期也不同,这使得轴摆的相位发生变换并且旋转。一些艺术家在摆锤上装上光源,使之能够向四面八方发射光线,并且使用长时间曝光进行拍摄,获得美丽的摆锤运动曲线。
5、应用科学方法获取的影像
使用软件Photoshop将照片处理成为各种新颖的画意效果的作品己经层出不穷,另外一个正在备受关注的领域则是借助复杂的数学算法对影像进行变换。而虚拟现实技术及数字图像处理技术则使得人们可以凭空地通过数据的描述来合成虽然反映客观事实,但是却不可能被实际的“看到”而仅仅是在概念中存在的影像,如香港的放射学家Kai一hungFung对一个患者拍摄了182张CT片,并且经过数字图像处理技术,制作了一张鼻腔的三维地形图,从而获取了一张从患者脑袋后部向上看鼻窦的虚拟影像。
关于摄影艺术的论文二：数字时代的摄影艺术
内容摘要：随着数字时代的到来，数码摄影已普及到中国的千家万户。数码摄影与传统胶片式摄影有各自的优缺点，它们不可能相互
取代，在今后很长一段时间将保持共存局面。
关
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词：数字时代
传统摄影
数码摄影
从法国画家达盖尔(1789—1851)于1839年1月9日发明了“银版摄影技术”至今已有167年的历史。在这一百多年的历史进程中，科学技术迅猛发展，作为摄影技术支撑的照相机、负片、正片及其辅助器材也发生了巨大的变化。特别是近些年来，曾经作为高档摄影器材的数码照相机经过几年的发展已走下神坛，进入了寻常百姓家中。数码摄影成为现代化家庭的标志。有人曾预言，21世纪，数码摄影将取代工艺复杂的传统胶片成像摄影。笔者认为，传统胶片成像摄影与数码摄影在现代社会中各有自己的空间，有各自的优缺点，传统摄影与数码摄影在今后的很长一段时间将保持共存的局面。
一、传统摄影经过一百多年的发展，技术与艺术已十分成熟
一百多年前，摄影术产生，有人曾断言，摄影将取代绘画。经过一百多年的事实说明，摄影最大的特点和优点就是能准确记录瞬间的历史事实。尽管在此期间也有很多的摄影家通过高超的摄影技术模仿绘画的各种效果，也取得了巨大的成绩，但绘画所传达的画家的个人情感及绘画作品的材质美感及画家的技艺美，是照片无法取代和复制的。绘画和摄影都在各自的领域中向前发展，数码摄影也是如此。
传统摄影经过长期的发展，成为人们记录生活、记录历史、表达摄影家个人情感的方式。它具有可复制性和稳定性。一张存放数年的负片，只要影像没有消失，复制就成为可能。而经过显影和定影技术后的负片和正片，具有存放数十年甚至上百年的稳定性。传统摄影的成熟性还包含摄影暗房技术的成熟。通过暗房技术，摄影家可以得到各种不同特殊效果的图片，充分保障了它的技术性与艺术性的完美统一。
人类对未知领域的好奇与探求欲望是人类发展的动力，也是人类的天性。传统摄影较为复杂的工艺性和不可预见性给摄影家带来了创造的兴趣。摄影家通过摄影的一系列工艺过程取得的艺术照片，会给他们带来心灵的愉悦和快感，这是人类不可缺少的精神力量。
二、数字技术的发展，数码摄影成为大众化的消费方式，它具有
直观、快捷、方便、成本低的优势
数码摄影技术的出现绝非偶然，它是电子技术、照相技术、通讯技术及电子计算机技术发展到一定阶段的产物。20世纪末，光电传感技术(CCD)的进一步成熟给数码照相机带来了新的发展。2002年，日本索尼公司推出4色CCD。这款新的4色CCD，在原来RGB基础上添加了一个E(翡翠绿)，使数码摄影图片与人眼观察到的自然更加接近。数码照相机成像质量也由原来的几十万像素增加到几百万像素。如今，一个指甲片大小的传感器上能容纳800万个像素点，这足以能够达到普通底片放大到16in.(英寸)的照片效果。3年前，9000元的500万像素的数码照相机，如今3000元就能买到;6万元以上的专业数码照相机，9000元就能买到。数码照相机已开始进入了普通消费领域，成为数字家电的领衔品种。
数码摄影最大特点在于它的直观性。摄影者拍摄图片的质量，马上可以通过彩色液晶显示屏直观地看到，并及时加以处理。随着电子技术的发展，大众化的数码照相机体积越来越小，重量越来越轻，更加方便家庭外出旅游携带，这也给数码照相机的普及创造了条件。数码摄影的另一个优点在于成本低廉。数码照相机拍摄的图片是通过数字信号存储到存储卡上。人们可以选择自己喜爱的图片，通过彩色打印机印制相片，也可以存储到电子计算机或刻录成光盘以备将来所用。以数字信号记录下来的图片还有强大的功能成熟的PHOTOSHOP图像处理软件作支撑。它被广泛应用于装潢广告领域，这也给数码摄影技术带来了广阔的前景。
三、传统摄影与数码摄影各有优缺点，在很长一段时间将保持共同发展的局面
无论是专门从事摄影工作还是业余爱好，数码摄影技术理论的支撑体系还是沿用传统摄影。分析传统摄影和数码摄影成像的原理，我们不难看出，传统摄影和数码摄影都是通过光学镜头感光成像，只不过传统摄影是通过感光胶片记录图片，而数码摄影是通过CCD传输数字信号存储在存储卡上。
传统摄影以其技术的成熟与辅助器材的完善广泛被专门从事新闻、广告、人物、风景、静物等的摄影家们所接受，并被人们普遍运用于记录真实历史事件和摄影艺术创作。它的摄影理论、摄影技术及暗房技术都形成了一个成熟的体系。一百多年来，摄影家通过艰苦的劳动和研究逐步完善了摄影艺术的方方面面。它的艺术性及保存的稳定性已被广泛地认同。数码摄影以其方便、快捷、直观、成本低受到大众喜爱，并被广泛应用于现代生活的各个领域。
然而，传统摄影以其图像的不可预见性也给摄影爱好者和普通家庭带来了麻烦。人们拍摄的照片，必须经过复杂的冲印技术才能感知图片的效果。在此过程中，成本也相应增加，人们不能随心所欲地选择自己所喜爱的质量上乘的图片进行印制。数码摄影则很大程度上解决了这些问题。从存储卡中下载的图片可以随心所欲地加以处理，而存储卡是可以反复使用的，这就大大节约了成本。但由此也带来了它的弊端。有人曾提出，随着数码摄影的产生，人们由图片记录历史事件的时代将会被数字信号所取代，这也会造成人类社会对传统视觉需求的缺失。而且，数码照相机的迅猛发展也就是近几年的事，CCD技术需要更进一步地发展和完善，电子处理系统及存储系统的进一步成熟稳定也还需时日。此外，以照片样式再现的图像在清晰度、色彩还原性及色彩空间层次感等方面还是处于优势地位。也许有一天以上问题都可以解决，但人们在手工劳动中追求艺术创造的过程是任何先进技术也无法取代的。
关于摄影艺术的论文三：浅论现代影视中摄影艺术的造型语言
论文关键词：影视
摄影艺术
光影
色彩
论文摘要：影视摄影艺术是影视艺术创作中的一个特殊领域,其任务是采用影视拍摄的方法创造艺术的影象,最完美、最富有表现力地用视觉形象揭示影片的内容及思想。运用影视摄影造型艺术手段的富有表现力的可能性——影调处理、色彩处理、全景拍摄、移动摄影机以及现代影视技术的方法,影视摄影师根据电影剧本和摄制影片的创作构思与导演、美工一道完成造型处理。本文主要论述影视摄影独有的艺术造型表现手段的构成、用途、效果及运用方式。
影视摄影艺术是现代科学技术发展的产物。但它不是产生一般功
能的科学技术，而是一种载体媒介，是一种可以和任何一种艺术相媲美的、能够叙事、绘声绘色、表情达意的语言。故此，它成为现代信息传播、新闻纪录、科学研究、知识普及、情节故事描绘的最现代、最为人们喜闻乐见的表现形式和承载媒体。影视媒介就是由声波和光波两个基本元素所构成的记录声像的摄录机器。作为机械，它不仅能记录下人类五种感官中两种视听审美感官的感知结果，而且能展现人们有意为之的想象、幻想、回忆中内心世界的视听形象;甚至更能揭示人们非有意为之的下意识活动、幻觉、梦境等。更为奇妙的是，它还能记录展现人们视听感官功能所根本不能触及的一些自然的、社会的现实世界，甚至还能创造现实根本不存在的科幻、神怪世界。尽管她奇妙无比，它也只能是机器手段而已。只有作为主体的人对它进行控制，它才能发挥应有的科研和艺术表现作用。因此，影视摄影是一门艺术，是一门时空艺术，是一门置造型形象于时间的流动之中的艺术，是创造富有艺术性、思想性、寓意性活动的幻觉影像的艺术。影视摄影艺术表现手段主要有：光线和影调，色彩，构图和动向等多种手段。从艺术层面上来讲，影视摄影更是一种创作，一种新的思维方式，一种驾驭声画语言符号的方法和手段。
一、光线与影调——画面的修辞手段
光线是摄影师的画笔。摄影师“用光作画”或“用光写作”。光线表现手段是指摄影师在采光和布光中，运用自然光和人工光来处理画面中光线的明暗、层次、反差、基调、色彩还原和各种特定的光线效果。光线是一种造型手段，影调是它在画面上的表现形式。在画面上影调首先体现着时间和空间气氛，作为一种艺术表现手段，影调还体现着感情。光线与影调不仅为摄影提供必要的物质条件，而且可以塑造被摄体的立体形态、轮廓形式、表现质感，并以刻画人物形象、描绘环境、烘托气氛来显示造型的表现力，创造特定的艺术效果。影视作为艺术，摄影师对光线与影调的运用不只是技术层面的问题，还应该体现出对影片的艺术构思，还应完成其艺术作用。
由李少红导演，曾念平摄影的电视连续剧《大明宫词》制作精细，在影像表现上特色鲜明。在剧中，低角度光的运用将神秘高贵的宫廷
气氛更好的表现出来。同时，这种布光法的运用也使得演员可跨越更大的年龄跨度。演员归亚蕾已是60岁左右的年龄，而剧中她要扮演的是从40岁直到驾崩的武则天，年龄跨度几乎达30多年。这对于一位60岁左右的演员来说是几乎不可能达到的事情，而摄影师娴熟、准确地运用低角度布光法，将一位成熟妩媚的中年皇后跃然于银屏上。
光线与影调，好比是画家手中的画笔，好比是雕刻家手中的雕刻刀。摄影师用光影可是使该表现的地方得以表现，该隐蔽的地方加以隐蔽。光影就象是画面的一种修辞手段，并运用它们去创造富有造型表现力和艺术感染力的银幕形象。
二、色彩——画面的抒情音符
色彩表现手段，是指摄影师对画面的色彩、色反差、色饱和、色对比、色温、色调等的把握。色彩是影片中的情绪元素。电影画面通过环境、服装、道具等对色彩的选择和配置，对感光材料和光线的选择与运用，来实现色彩表现手段。影视画面的色彩表达不仅仅要求准确再现，更要注意色调的把握、气氛的渲染和情绪的表达，注意色调的对比、和谐与统一。色彩在影视中肩负着人物心理情绪的刻画、细节的描写、地理、时代、民族等特点的体现，以及在特定情况下所富有的寓意作用。色彩作为摄影师的造型手段之一，不仅是反映客观世界的符号，而且具有传达信息和情绪、塑造艺术形象的造型职能。色彩作为画面的抒情音符，体现了影视摄影独特的艺术魅力。
电影《黑天鹅》的色彩处理也有独到之处。多样变化，和谐统一，是艺术一般规律。比如“白天鹅时期”，妮娜的枕头是黑白花纹的，在妮娜梦醒的俯看镜头中，她的头颅正好搁在黑色藤蔓花纹盘绕纠缠的中心。此外她那雪白呈绒毛状的围巾，既是白天鹅羽翎的象征，又是雏鸟新生还未丰满的遍体软茸。与此同时导演把妮娜的房间几乎全部布置成粉红色调，开场的第一个早晨，母亲端上来的早餐是切成两半的水果，妮娜有如小女孩般呢喃：“粉色，多漂亮!”每次妈妈给妮娜打电话时，她的手机屏幕上出现的“MOM”字样底色都是粉红色的。而当她被选为“天鹅皇后”之后，那条白色的绒毛状围巾就不见了，是雏鸟褪毛的象征。在妮娜的“白天鹅时期”，她的鞋子是圆钝、无侵略性也
无野心的灰色棉布雪地靴，而与她形成对比的则是“黑天鹅”莉莉那冶艳的黑色皮靴。
影视摄影中对色彩的运用，不像绘画那样只反映在一幅画面中。影视是“动”的艺术，它的色彩对比与和谐应反映在一个个画面的流动中，反映在画面与画面之间、场与场之间的衔接中。从某种意义上说，一种色彩如同一个音符，它只有在一定的组合中才能表现出一定的意义，离开一定的组合，它只是一种色彩而不是表达感情。因此，影视摄影师要善于结合内容，在画面的运动中去组织、运用和捕捉色彩来表达感情。
三、运动镜头——影视艺术的本体造型语汇
动向表现手段，是指摄影师采用什么摄影频率和摄影机以怎样的运动方式来拍摄画面。运用不同的摄影频率和摄影机的运动表现被摄体的空间位置、空间关系和运动，从而展示影片的速度、节奏和韵律。运动镜头对影视的影响很大，它使影视最大限度地突破力舞台框架对空间的束缚，最大限度的接近于现实生活空间的原生态形态。它所创造的只属于影视自己的运动形态，不仅使影视真正脱离了戏剧成为一种独立的艺术，而且给人们带来了无与伦比的视觉享受。因此，任何一个从事影视工作的人都不能不对镜头给予特殊的关注。同时我们也应该认识到，摄影机的运动绝不是武断和随意的，导演和摄影师每一次的推、拉、摇、移都必须有充分的内在原因，都应该表达确切的思想和感情意图。
在影片《有话好好说》中，影片开始的连续三声汽车油门的轰鸣声刺破黑格的银幕，大量的广角镜头来拍摄特写，大量的非常规的运动造型为本片定下了基调。摄影机不断变换运动的载体，肩扛式的运动，在汽车上的运动，主观视点的运动，以多角度的运动摄影来营造丰富的空间节奏，这包括叙事性的非常规运动和抒情性的纵深运动，它们的出现是交替性的。同时，高速升格的慢动作画面，翻滚的红酒，用另一种手法来营造一个后现代大都市的感觉。
电影和电视剧都是以摄影为基石的艺术，正是因为有了摄影，电影、电视剧才成为一种不同于绘画、不同于戏剧的艺术种类。因此，提高摄影的艺术品位和审美价值，乃是提高电影和电视剧艺术品位和审美价值的关键。电影和电视剧摄影的任何一种元素都是贯通艺术情感激流的门阀，都是表达与传递心灵气韵与生命律动的通途。因此，影视创作人员应懂得如何利用技术这个大杠杆，来撬动电影、电视剧这个艺术的大地球。在我国文化建设高度发展的新时期，我们应牢记周1961年《在文艺工作座谈会和故事片创作会议上的讲话》中的一段教诲是有益的。他说：“任何艺术不掌握艺术规律，不进行基本训练，不掌握技术，是不行的，我看，艺术应当苦练，这虽是从话剧说起，但适应于各艺术部门。”，因此，摄影师还需继续做出努力，使全社会都认识到影视摄影是一门艺术。
摄影旅游分析论?2019-06-081摄影旅游的概念、特点和分类1.1摄影旅游的概念关于摄影旅游的概念,?前还没有公认的定义。吴必虎(2001)认为,摄影旅游是指旅游者前往?然景观独特、民族风情浓厚的地区旅?,并拍摄??作品的旅游?式[1]。摄影与旅游,相伴??,相得益彰。摄影与旅游之间的密切联系来源于两者的依托对象是同?的——??风光、?物古迹、民俗风情等旅游资源[2]。在讨论摄影旅游的概念时,必须把握好这两者的关系,突出特?,同时应该区分“摄影旅游”与“旅游摄影”的区别,即“摄影”与“旅游”在旅游?的的确定和旅游过程中孰轻孰重的关系。摄影旅游是?种以摄影为?的的旅游活动,没有摄影的?的即没有旅游过程的实现,摄影的地点与对象也不仅限于?然景观独特、民族风情浓厚的地区;?旅游摄影的?的是旅游,并且是唯?的?的,摄影是伴随旅游?产?的。旅游,可以说是因地域与?化上的距离感?引发的?种对美的诉求;摄影,作为?种视觉表达?式,实质是?们在?然与??、怀旧与崇新、传承与变迁等多层?上进?的影像讨论[3]。?旅游过程中拍摄到的图?就成为旅游体验交流的最佳共通语?。1.2摄影旅游的特点摄影旅游属于特?旅游产品或专项旅游产品,与其他旅游相?具有??的特点。第?,参与性强,符合旅游业的发展趋势。每位摄影旅游者都可以在旅游过程中亲?体验采点、选择?度、调整设备、收获照?等的喜悦;第?,富有?化内涵,这也是摄影旅游具有长远发展前景的基础。通过镜头,可以观察社会变迁,体会历史沉淀,体验民俗风情;第三,专业性明显。旅游者需具备?定的摄影素养,才能充分体验摄影旅游,相关管理部门和服务?员只有了解摄影,才能科学发展摄影旅游;第四,综合性突出。摄影旅游易与爱国主义教育、旅游专业教学和与其他旅游?式结合。此外,摄影旅游还具备?淡旺季之分,安全性?,成本较低,辅助科学考察等特点。1.3摄影旅游的分类根据旅游组织?式不同,摄影旅游可分为散客摄影旅游、团体摄影旅游和活动性摄影旅游;根据摄影主题不同,则可细分为热带风光摄影旅游、野?动植物摄影旅游、同乡会—祭祖摄影旅游、红?摄影旅游、??摄影旅游、?化摄影旅游等等。散客摄影旅游,或称?助摄影旅游,是由摄影旅游者??安排?程,零星现付各项费?的旅游形式。其优点是灵活?由,选择性强,便于独?进?摄影作品的创作。但是价格相对昂贵,安全性不如团体摄影旅游?。散客摄影旅游并不意味着完全不依靠旅?社,也不意味着只能是单个摄影旅游者,现在多是家庭或朋友结伴出游,商量决定旅游?程、线路等,然后再寻求旅?社关于机票、旅馆等的帮助。我国规定散客旅游的?数为9?以下,摄影旅游作为?种新兴旅游产品,亦应遵从此规定。团体摄影旅游,或称集体摄影旅游,?种形式是完全依托旅游经营部门,摄影旅游者按其相关服务项?作出出游抉择;另?种形式是由旅游类?站、摄影爱好者?发组织的团体或旅游管理部门牵头组织的摄影旅游,其?程可集体商讨,或事先规定好,然后报名参加。优点是?程、线路、住宿、参观节?均按计划进?,收费?单独出游低,安全性?,?程针对性强,便于摄影技术与经验的交流。缺点是?由度较低,灵活性较弱。活动性摄影旅游主要是指在摄影旅游地开展摄影节、摄影赛事的旅游。由主办?在摄影旅游地安排摄影节、摄影?赛相关准备,摄影旅游者以散客、集体报名参加或摄影爱好者组织的?式参加的?种旅游。据统计,?前全国每年有约400个各类摄影?赛,平均每天1.09个,更有业内??估计每年粉墨登场的各类影展影赛在千次以上。?前,活动性摄影旅游正在以蒸蒸?上的趋势快速发展。2发展摄影旅游的意义2.1吸引海内外摄影?的视线,为发展摄影旅游的旅游地带来丰富的客源随着收??平的提?,?化?活?益丰富,摄影爱好者的数量迅速增长。摄影旅游地通过设计、开发摄影旅游项?,吸引着摄影?的视线。摄影爱好者本?就是?定数量的旅游者,基数有限但其年出游次数相当可观。摄影旅游者通常结伴出游或携带家属,?形之中丰富了客源。摄影节、摄影赛事的开展,会带来?批数量可观的客源,除了众多摄影参赛者,还有主办??作?员、媒体朋友等。此外,旅游者的亲?诉说,激发周围亲朋好友的出游欲望,产??定的潜在客源。2.2摄影旅游具有旅游?的地形象宣传功能,有助于提升地?的知名度和影响?塑造形象的功能。摄影旅游者在旅游结束后对照照?进?欣赏与回味,能够巩固摄影旅游地在?中的形象与地位;摄影旅游者向亲朋好友的介绍、摄影作品通过媒体向?众展?的过程,都是对摄影旅游地形象的初步塑造。推?形象的功能。1996年,海外旅游者通过亲友介绍、?播电视、报刊这三种媒介了解中国旅游情况的?重是55.7%(如表1所?),“?碑+媒体报道”的传播?式与旅游者媒介的选择是?致的[4]。摄影旅游者通过向亲朋好友?头叙述旅游见闻、展?摄影作品,向周围的?群宣传了摄影旅游地形象;?播电视、报刊杂志以及互联?等?众传媒刊登、转载旅游地照?,在更?范围推?了摄影旅游地形象。
照?是?种?语?、国度障碍的传播媒介,具有从抽象到具体的宣传效果,有利于扩?地?的知名度与影响?,当照?塑造与宣传的某种形象符合??中的旅游要求与期望时,潜在旅游者就会变为真正的旅游者。通过摄影节、摄影赛事提?举办地知名度的案例很多,如法国?城蓬?尼昂,就因举办了国际摄影节?提?了知名度,促进了当地旅游业的发展;我国的平遥和丽?被旅游者所熟悉更要归功于摄影节和摄影赛事的举办。2.3发现旅游资源,为旅游资源的评价与科学规划提供基础摄影旅游可帮助?们发现更多、更美、更珍奇的旅游资源,经典的例?就是美国最著名的黄?国家公园。在1870年和1877年,美国西部著名摄影家杰克逊曾?次随政府的地理勘探队进?勘探摄影,政府议员根据其在偏僻的黄?地区拍下的?量风光照?,于1972年决定在那?开辟美国第?个国家公园。?独有偶,国内也有许多旅游地是通过摄影作品?被挖掘出来的。武陵源的“?举成名天下”,吉林雾凇岛“夜看雾,晨看挂,正午赏落花”的名声和?龙江双峰林场“中国雪乡、雪景之源”的声誉,都是由摄影?所成就。这些地?,之前是名不见经传的?地?,摄影?的发现与宣传促使其被开发为旅游资源,吸引了源源不断前来观光探险的游客。摄影作品还能够为旅游资源的调查与评价提供直观的资料图?,为旅游资源的规划和开发、旅游业的发展提供最直观的决策依据。众所周知,旅游规划的最终成果多是以图像来解说,当前的数码相机均是以JPEG格式输出,适?于AutoCAD、Photoshop和ArcGIS等图像操作软件,克服了传统图像处理?法的不?,便于旅游规划?作的开展。2.4促进摄影旅游地经济发展摄影旅游作为?种新型、特种旅游产品,拥有特定的接受?群。随着摄影装备?业的深开发,展览与赛事在短期内的巨?推动作?,摄影旅游将拥有更?的潜在市场,必定能促进旅游产业的进?步成长,从?有利于摄影旅游地的经济发展。发展摄影旅游的成本相对较低,因为现有的各种旅游资源都可以为摄影旅游服务,这也是摄影旅游的最?特点之?。各种旅游资源都是客观存在的事物,均可以通过镜头展现出来,摄影旅游的开发,等于是利?现有资源的另?种新颖?式,除了基础服务设施的投资,其他不需专门投资开发摄影旅游资源。2.5促进摄影旅游地的?态环境保护摄影旅游有助于?们树??态环境保护理念。上世纪美国最伟?的摄影?师安塞·亚当斯,还是?位积极的环保?作者,他以建?国家公园和遗址保护区的?式来保护环境,他所拍的美国??、荒野景?,后来都成了美国国家公园和美国??中的道德寓?。其次,摄影旅游是反应严峻?态环境问题的直观性媒介。全世界各地以?态环境保护为主题的摄影活动不计其数,相关摄影作品更是数不胜数。摄影爱好者发现和感知着?态环境恶化、野?动物濒危等现状,他们利?较?的摄影?平,将?幅幅?态环境恶化的照?展现在?们?前,?其他?式更能激发?们内?的触动,在社会范围内起到环境保护的宣传功能。2.6有利于?化事业发展,提?国民素质,赋予艺术?息摄影旅游的开展,为摄影爱好者提供了艺术创作的机会,具体的、实践性强的摄影旅游项?如摄影赛事,?能提供作品创作、技术交流的平台。?摄影作品是科学技术与艺术创作相结合的产物,摄影作品的传播与推?,能够供社会?众赏析,增强鉴赏能?,提?艺术素养,加深对社会问题的认识。3发展摄影旅游的问题3.1重视程度不够作为?种新型的旅游产品,摄影旅游得到的重视程度较低。关于摄影旅游的理论研究较少,国外相关研究成果也没有?范围引?,发展摄影旅游缺乏理论?撑与指导。旅游管理部门与旅游企业未正式把摄影旅游引?旅游业的发展规划之中,尚未开发出切实可?的模式,宣传?作做得更是少之?少。?前,摄影旅游者多以散客形式?发组织,缺乏官?指导,国外游客缺少获得相关信息的渠道,不便于开发国际市场。3.2设施与服务不?我国发展摄影旅游的设施与服务是?分?缺的。?前,绝?多数的旅游景区都没有关于摄影采风的景点介绍,宣传资料上也毫?相关说明,更没有摄影作品的展?。摄影旅游者多是从摄影?站、摄影?之间的交流获得信息,这种间接的信息传播?式速度慢、服务效率低。同时,我国的旅游城市多数缺乏专业的摄影展览馆、摄影研究室,就连作为中国摄影之乡的丽?,在1999年举办第四届中国摄影艺术节,展览都只能放在中?街。旅游管理部门和旅游企业?今除了提供摄影旅游线路之外,没有研究、开发出新形式的摄影旅游项?,资源优势未能很好地转化为产品优势。3.3未能真正融?地?经济与摄影旅游相关的项?在设计、开发、管理、包装、宣传、投?上,缺乏长?的发展。具有经济效益的项?,例如摄影装备器材的销售、照?的处理与冲印、吸引赞助投资的摄影节与摄影基地的建设等,除了国内的平遥、丽?取得?些开拓性成绩之外,?多具有丰富摄影旅游资源的省市基本很少涉及。在市场经济条件下,摄影旅游若不能密切融?到地?经济的发展中去,是不可能取得长?发展的。
3.4缺乏专业?才旅游摄影同样是?种专项旅游产品,具有?定的专业性,各个环节都需要配备摄影领域的专业?才。例如,旅游线路的设计需要与摄影地点、?度、光线与时间点等的选择有机结合,摄影旅游规划?员必须具备摄影相关背景知识,才能进?科学规划;管理部门也需要相关?才才能科学分析,建?长效的管理机制;旅游企业的服务?员迫切需要加强摄影技术知识的学习,提供具有竞争?的服务;摄影旅游地应该配备专门?员销售摄影耗材,提供咨询服务。4开发摄影旅游的对策与建议4.1加深对摄影旅游的重视程度?先要树?发展摄影旅游的观念。政府应积极做好宣传?作,引导建??个摄影旅游发展试点,以试点的成功经验引起各地对摄影旅游的重视;其次要科学制定摄影旅游发展规划,把摄影旅游切实作为地?旅游规划的?部分,落实到实处;从旅游管理部门、旅游企业到旅游地,各司其职,打造?条完整的摄影旅游服务系统,尤其是可利??络等先进技术,加强地区之间的合作。4.2完善基础设施建设?欲善其事,必先利其器。欲发展摄影旅游的地?,需政府牵头,多?筹措专项资?,为摄影旅游的发展提供必要的硬件条件。景区??,设计专门介绍采风景点的指路牌、摄影旅游地图等;出售、出租摄影相关耗材,?便摄影旅游者,解除其后顾之忧;摄影旅游地需修建摄影研究中?、摄影培训中?和摄影展览馆,???起到宣传作?,提?美誉度,另???,便于活动性摄影旅游项?的开展。同时规划、设计固定的场所,提供给摄影爱好者之间的技术、经验交流。4.3突出摄影旅游的特点,提?经济效益摄影旅游是?种新型的旅游产品,新鲜感强,开发空间?。因此要抓住时机,适应不同时期旅游市场的需求,开发出多种主题、形式的旅游项?,“新上加新”,提?摄影旅游的附加值;同时它?是?种特种旅游产品,特?鲜明,针对性强。要专门研究其资源与市场的特点,各地?应根据当地条件,有针对性地进?设计与开发,探索出独特的发展模式,提?竞争?,从?获得更?经济效益。4.4加强?才培养,提?管理?平当前,国内外旅游市场上的竞争从根本上说是旅游?才的竞争,应针对市场需求,加强摄影旅游?才培养。?校应补充摄影旅游相关课程,深?开展旅游知识教育,为摄影旅游的发展提供后备?才;旅游管理部门要提??部队伍的素质,有针对性地培养摄影旅游专项负责?员,提?决策与管理?平;旅游企业应加?旅游服务业??资源的开发?度,提?旅游从业?员的整体素质,定期开展摄影旅游知识的培训与考核。参考?献:[1]吴必虎.区域旅游规划原理[M].北京:中国旅游出版社,2001:303.[2]曹扬.摄影节——旅游?的地营销的有效?段——以平遥国际摄影?展为例[J].社会科学家,2005,(4):125-127.[3]刘丹萍.旅游者、摄影节(?赛)与?的地营销——某旅游地案例定性分析[J].旅游学刊,2004,(4):57-63.[4]杨威,赵宁曦,.图像时代下乡村旅游摄影透视[J].安徽农业科学,2007,(33):10870-10871.摘要:摄影与旅游相得益彰,互惠互利,摄影旅游已悄然出现在?们的?活中。传统的以观光、游览为主的旅游产品已不能满??益变化的市场需求,摄影旅游作为?种新兴、特种旅游产品,符合旅游市场的发展趋势,应当予以重视。在探讨摄影旅游本?的概念、特点分类的同时,更需要研究发展摄影旅游的意义及存在的问题,并给出相应的发展对策。关键词:摄影旅游;概念;意义;问题;对策注：本?为?友上传，不代表本站观点，与本站?场?关。0好?章需要你的?励你需要服务吗？提供?对?服务，获得独家原创范?了解详情期刊发表服务，轻松见刊提供论?发表指导服务，1~3?即可见刊
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